que tanto sabes sobre J. S. Bach?

Answer 1

Hola Legendary Old
Johann Sebastian Bach fue un organista y compositor de música clásica del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).
-Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca, una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental.
-Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal.
Saludos.

Answer 2

Johann Sebastian Bach (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista y compositor de música clásica del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia (alrededor de 120 músicos).

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca, una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental[1] , epicentro de la musica occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal[2] , no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto[3] ,y su máximo exponente, donde es la fuente de inspiración para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.

Sus más importantes obras están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Toccata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Overtura francesa, las Suites para violonchello solo, las partitas y sonatas para violin solo y las suites orquestales[4] .

Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Por más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante siete generaciones dio 52 músicos de importancia) en que la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban un significativo aporte para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6 000 habitantes en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música secular y la participación en la música eclesial. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de la corte hasta compositores. Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de "músico". La familia Bach era consciente de sus logros musicales, y alrededor de 1735 Bach esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie, buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.


Primeros años (1685-1703)

Registro escolar del Liceo de Ohrdruf. J. S. Bach es el 4to. alumno de la segunda lista.Johann Sebastian nació el 21 de marzo de 1685 (el mismo año que Domenico Scarlatti y George Frideric Haendel). La fecha de su nacimiento corresponde al calendario juliano, pues los alemanes aún no habían adaptado el calendario gregoriano, para el que la fecha era el 31 de marzo. Su madre, Maria Elisabetha Lämmerhirt, murió cuando él tenía 9 años de edad, y su padre —que ya le había dados las primeras lecciones de música— murió al año siguiente. El pequeño huérfano fue a vivir y estudiar con su hermano 16 años mayor, Johann Christoph Bach, organista en Ohrdruf, una ciudad cercana. Allí, aprendió teoría musical y composición, además de tocar el órgano, y aparentemente recibió valiosas enseñanzas de su hermano. Conoció las obras de los grandes compositores del Sur de Alemania como Johann Pachelbel, y de los franceses como Jean-Baptiste Lully, Louis Marchand y Marin Marais. El niño probablemente presenció y asistió en el mantenimiento del órgano; éste sería el precedente de su futura actividad profesional en la construcción y restauración de órganos. El obituario de Bach indica que copiaba la música de las partituras de su hermano, pero aparentemente su hermano se lo prohibió, posiblemente debido a que las partituras eran valiosas y productos privados de la época.

A los 14 años, fue premiado con una escolaridad coral, con su amigo mayor de la escuela, Georg Erdmann, para estudiar en la prestigiosa Escuela de San Miguel en Lüneburg, no muy lejos del puerto marítimo de Hamburgo. Esto lo involucró en una larga jornada de viaje con su amigo, probablemente a pie o en parte en carroza. No hay referencias escritas de este período de su vida, pero los dos años de estadía en la Escuela aparecen como críticos en su carrera, al exponerlo a una paleta más amplia de la cultura europea, de la que pudo experimentar en Turingia. Además de cantar en el coro a capella, es probable que haya tocado el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos y probablemente aprendió francés e inglés, recibiendo un bagaje en teología, latín, geografía y física. Quizás entró en contacto con los hijos de los nobles del norte de Alemania que eran enviados a esta escuela altamente selecta, para prepararse en sus carreras diplomáticas, gubernamentales y militares. Es muy probable también que tuviese un significativo contacto con los organistas en Lüneburg, en particular con Georg Böhm, y visitara varios de ellos, como a Johann Adam Reincken y a Nicolaus Bruhns. Probablemente gracias a estos músicos tuvo acceso a instrumentos más grandes para tocar. También es posible que durante su estadía se familiarizase con la música de la tradición del Norte de Alemania, especialmente con la obra de Dieterich Buxtehude, y con manuscritos musicales y tratados de teoría musical que estaban en posesión de aquellos músicos.


Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)
En enero de 1703, después de su graduación, Bach logró un puesto como músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, en Weimar, Turingia. No está muy definido cual fue su función allí, pero parece haber incluído labores no musicales. Durante sus 17 meses de servicio, su reputación como tecladista se extendió y fue invitado a inspeccionar y dar el concierto inagural en el flamante órgano de la Iglesia de San Bonifacio en la cercana ciudad de Arnstadt, donde su familia formaba además una extensa red social.

En agosto de 1703 tomó el puesto de organista en dicha iglesia, relativamente bien remunerado y con el nuevo organo a su disposición, el cual, debido a su sistema más moderno, tenía un teclado más amplio. Para ese entonces, el joven organista estaba desarrollando composiciones más complejas de preludios, en la tradición musical del Norte de Alemania, que incluía el virtuosismo, la improvisación y la exploración musical. Bach desarrolló en estas composiciones, su talento en el campo de las escalas y en la técnica del contrapunto, donde dos o más melodías interactuaban simultáneamente. Se estima que fue entonces cuando compuso su conocida obra Toccata y fuga en re menor.

Sin embargo, las relaciones familiares y laborales se fueron deteriorando con los años, y durante algunos meses entre 1705 y 1706, abandonó Arnstadt para viajar a Lubeck y visitar al destacado organista Dietrich Buxtehude, considerado la principal figura de los organistas alemanes de su época. El encuentro tuvo gran impacto en la obra de Bach. De regreso en Arnstadt, decidió que su futuro debería estar fuera del ambiente familiar y comenzó a buscar otro puesto de trabajo. Una oferta con mejores perspectivas económicas le fue hecha desde la ciudad de Mühlhausen, Turingia, para ocupar el puesto de organista en la Iglesia de san Blas (Divi Vlasi). Antes de tomar el puesto, se casó el 17 de octbre de 1707 con Maria Barbara Bach, una prima suya en segundo grado, con quien tendría siete hijos, de los cuales cuatro llegaron a la edad adulta.

El concejo de la ciudad y la iglesia aceptaron los requerimientos de Bach, e invirtieron una gran suma en la renovación del órgano de la iglesia. Para la inaguración de nuevo concejo de la ciudad en 1708, el organista interpretó su obra Gott ist mein König BWV 71, escrita para tal ocasión, la cual fue muy apreciada por sus empleadores. Su estadía en la ciudad terminaría el mismo año, cuando le fue ofrecido un mejor puesto en la ciudad de Weimar.


Período en Weimar (1708–1717)
Transcurrido apenas un año, una nueva oferta de trabajo le llegó desde la corte ducal en Weimar. El retorno al lugar de su primera experiencia laboral fue esta vez muy diferente. El puesto de concertino, un excelente salario y la posibilidad de trabajar con músicos profesionales fueron seguramente motivo suficiente para dejar su puesto en Mühlhausen. En los siguientes años nacieron su primeros hijos, de los cuales destacan Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach.

A la muerte del principe Johann Ernst en 1707, su hermano Wilhelm Ernst había asumido el poder de facto. Por su anterior cercanía con el duque Johann Ernst, que había sido a su vez un avezado músico y admirador de la música italiana, Bach había estudiado las obras de Antonio Vivaldi y Arcángelo Corelli, entre otros autores italianos, asimilando el dinamismo y la emocionalidad armónica de ellos, transcribiendo sus obras y aplicando éstas cualidades a sus propias composiciones, las que a su vez eran interpretadas por el conjunto musical del duque Wilhem Ernst.

Este período en la vida de Bach fue fructífero. Sus obras de este período son conocidas como fugas, de las cuales El clave bien temperado es el mayor ejemplo. En el ambiente familiar comenzó a escribir la obra Orgelbüchlein para su hijo mayor Wilhelm Friedemann, obra didáctica que dejó inconclusa.

En 1717 con motivo del fallecimiento del maestro de capilla de la corte, Bach solicitó el puesto vacante, pero el duque decidió otorgárselo al hijo del fallecido maestro de capilla. Esto lo decepcionó profundamente y lo impulsó a presentar su renuncia, lo que disgustó al duque Wilhem Ernst, que ordenó su arresto por algunas semanas en el castillo antes de aceptarla.


Köthen (1717–1723)

El palacio y los jardines de Cöthen en un grabado del Topographia (1650) de Matthäus Merian.Bach comenzó a buscar un trabajo más estable que propiciara sus intereses musicales. El príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen contrató a Bach como Maestro de capilla o Kapellmeister. El príncipe Leopold, que también era músico, apreciaba su talento, le pagaba bien, y le dio un tiempo considerable para componer y tocar. Sin embargo, el príncipe era calvinista y no solía usar música elaborada en sus misas; por esa razón, la mayoría de obras de Bach de este período fueron seculares. Como ejemplo están las Suites orquestales, las seis suites para violonchelo solo y las Sonatas y partitas para violín solo.

La fotografía de la página inicial de la Sonata para violín nº 1 en sol menor muestra la escritura del compositor —rápida y eficiente—, pero tan adornada visualmente como la música que contiene. Los muy conocidos Conciertos de Brandeburgo datan de este período.


Sonata para violín nº 1 en sol menor (BWV 1001), primera página del autógrafoEn 1717 en Dresde, ocurre el anecdótico intento de duelo musical contra Louis Marchand (Se dice que Marchand abandonó la ciudad luego de que a escondidas, previamente, había escuchado a Bach).

El 7 de julio de 1720 mientras Bach estaba de viaje con el príncipe Leopold, la tragedia llegó a su vida: su esposa, Maria Barbara Bach, murió repentinamente. Algunos especialistas señalan que en memoria de su esposa compuso la partita para violín solo nº 2, BWV 1004, en especial, su última sección.

Al año siguiente, el viudo conoció a Anna Magdalena Wilcke (una joven y talentosa soprano que cantaba en la corte de Köthen). Se casaron el 3 de diciembre de 1721. Pese a la diferencia de edad —ella tenía 17 años menos— tuvieron un matrimonio estable. Juntos tuvieron 13 hijos.


Leipzig (1723–1750)
En 1723 le fue ofrecido el puesto de Cantor y director musical en la Iglesia Luterana de Santo Tomás (Thomaskirche ) en Leipzig, un prestigioso puesto en la ciudad mercantil líder de Sajonia, un electorado vecino de Turingia. Aparte de sus breves ocupaciones en Arnstadt y Mühlhausen, éste fue el primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que había estado estrechamente ligada al servicio a la aristocracia.

Este puesto final, que mantuvo por 27 años hasta su muerte, lo puso en contacto con las maquinaciones políticas de su empleador: El Ayuntamiento de Leipzig. En el Ayuntamiento habían dos facciones: los absolutistas, leales al monarca sajón en Dresde, Augusto II de Polonia llamado el Fuerte, y la facción de la ciudad-estado, que representaba los intereses de la clase mercantil, los gremios y los aristócratas menores.

Bach fue contratado por los monárquicos, en particular por el alcalde de aquella época, Gottlieb Lange, un abogado joven que había servido en la corte de Dresde. Coincidiendo con el nombramiento de Bach, a la facción de la ciudad-estado se le otorgó el control de la Escuela de Santo Tomás, siendo Bach requerido para varios compromisos con respecto a sus condiciones de trabajo.

Si bien está claro que nadie en el Ayuntamiento dudaba del genio de Bach, hubo una constante tensión entre el Cantor, que se consideraba el líder de la música eclesial de la ciudad, y la facción de la ciudad-estado, que lo veía como un maestro de escuela y quería reducir el énfasis en la composición de música tanto para la Iglesia como para la Escuela.

El Ayuntamiento nunca cumplió la promesa de Lange en la entrevista inicial, de ofrecer un salario de 1.000 táleros anuales, si bien se ofreció a Bach y a su familia, una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la escuela, el que fue renovado con gran gasto en 1732.


Estatua de Bach en LeipzigEl trabajo de Bach le requería enseñar canto y latín a los estudiantes de la Escuela de Santo Tomás, y proveer de música semanalmente a las dos iglesias de Leipzig, Santo Tomás y San Nicolás. En un sorprendente arranque de creatividad, escribió más de cinco ciclos de cantatas anuales durante sus primeros seis años en Leipzig (dos de los cuales aparentemente se han perdido). Muchas de estas obras se ejecutaban durante las lecturas de la Biblia de cada domingo y días festivos en el año luterano; muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia, tales como Wachet auf! Ruft uns die Stimme y Nun komm, der Heiden Heiland, como inspiración.

Para los ensayos y ejecuciones de estas obras en la Iglesia de Santo Tomás, Bach probablemente se sentaba al clave o se paraba en frente del coro en la baja galería en la parte izquierda del fondo, de espaldas a la congregación y el altar al lado derecho de la salida. A la derecha del órgano en una galería lateral estarían los maderas, metales y timbales; a la izquierda estaban los instrumentos de cuerda pulsada.

El Ayuntamiento solo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, fuente de constante fricción con el Cantor, que tuvo que reclutar el resto de los 20 o más músicos requeridos para las partituras medianas o grandes, de la Universidad, la Escuela y el público. El órgano o el clave fue probablemente tocado por el compositor (cuando no estaba de pie dirigiendo), el organista de casa, o uno de sus hijos, Wilhelm Friedemann o Carl Philipp Emanuel.

Bach seleccionaba los coristas, sopranos y contraltos y los tenores y bajos de la Escuela y de cualquier lugar de Leipzig. Las presentaciones en bodas y funerales daban un ingreso extra a estos grupos; es probable que para este propósito, y para el entrenamiento escolar, escribiese al menos seis motetes, la mayoría para doble coro. Como parte de su trabajo regular en la Iglesia, dirigía motetes de la Escuela Veneciana y de alemanes como Heinrich Schütz, que servirían como modelos formales para sus propios motetes.

En 1747 llegó a ser invitado a la corte de Federico II el Grande en Sanssouci, donde uno de de sus hijos, Carl Philipp Emanuel, estaba al servicio del monarca como clavecinista de la corte.

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, siendo conocido con el sobrenombre "príncipe del teclado", con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba.


Su muerte
Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una intervención quirúgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado Taylor, que años después operaría a Haendel, con resultados iguales. Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó, pero luego murió de apoplejía. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.


Familia e hijos
Bach encabezó una familia numerosa con un total de 20 hijos. Tuvo 7 hijos de su primer matrimonio, de los cuales sobrevivieron 4, y 13 del segundo, de los cuales sobrevivieron solo 5.

Hijos de su primer matrimonio con Maria Barbara Bach fueron :
Catharina Dorothea (*1708 † 1774), Wilhelm Friedemann, el Bach de Dresde y Halle (*1710 † 1784), Johann Christoph (*1713 † 1713), Maria Sophia (*1713 † 1713), Carl Philipp Emanuel, el Bach de Berlín y Hamburgo (*1714 † 1788), Johann Gottfried Bernhard (*1715 † 1739) y Leopold Augustus (*1718 † 1719).

Hijos de su segundo matrimonio con Anna Magdalena Wilcke fueron :
Christiana Sophia Henrietta (*1723 † 1726), Gottfried Heinrich Bach (*1724 † 1763), Christian Gottlieb Bach (*1725 † 1728), Elisabeth Juliana Friederica Bach, llamada «Liesgen» (*1726 † 1781), Ernestus Andreas Bach (*1727 † 1727), Regina Johanna Bach (*1728 † 1733), Christiana Benedicta Bach (*1729 † 1730), Christiana Dorothea Bach (*1731 † 1732), Johann Christoph Friedrich Bach, llamado el Bach de Bückeburgo (*1732 † 1795), Johann August Abraham Bach (*1733 † 1733), Johann Christian Bach, llamado el Bach de Milán y Bach de Londres (*1735 † 1782), Johanna Carolina Bach (*1737 † 1781) y Regina Susanna Bach (*1742 † 1809).

Cuatro de los hijos se convirtieron en compositores e intérpretes respetados por derecho propio, Wilhelm Friedemann Bach (1710-1784), Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), de quien Wolfgang Amadeus Mozart tenía una muy buena opinión, Johann Christoph Friedrich Bach (1732-1795) y Johann Christian Bach (1735-1782).

Sin embargo, la confianza que Bach puso en su hijo mayor, Wilhelm Friedemann, tuvo tristes consecuencias después de su fallecimiento. El hijo perdió para siempre varias Pasiones compuestas por su padre (que quizá ahora serían tan apreciadas como la Pasión según San Mateo y la Pasión según San Juan). Si no hubiese sido por el cuidado que tuvo su otro hijo, Carl Phillip Emanuel, en conservar los manuscritos del padre, el mundo podría haberse visto privado de una buena parte de las obras maestras de Bach.


Wilhelm Friedemann Bach (1710 - 1784)

Carl Philipp Emanuel Bach (1714 - 1788)

Johann Christoph Friedrich Bach (1732 - 1795)

Johann Christian Bach (1735 - 1782)



Legado
Bach tuvo numerosos alumnos y estudiantes a lo largo de su vida: según el estudioso Hans Löffler, más de ochenta. Entre ellos se cuenta a Johann Friedrich Agricola, yerno suyo, que en los últimos años del maestro fue copista de sus obras, además de ayudarle en la redacción de sus últimas composiciones, como en el caso de una de sus últimas corales para órgano, el BWV 668, la última coral del ciclo de Leipzig BWV 651-668.

Ya en su vejez, cuando la gente se refería al nombre Bach lo hacía pensando en su famoso hijo Carl Phillip. En las generaciones posteriores a Bach, sólo algunos compositores y músicos conocían su obra. Básicamente eran sus hijos y sus alumnos, gracias a ellos se conservó y no se perdió en el olvido la producción del Cantor de Santo Tomás, mientras que el resto del mundo no tardaría muchos años en olvidarle después de su muerte, en plena mitad del siglo XVIII.

Músicos célebres como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven o Frédéric Chopin, tuvieron un gran aprecio por las obras que conocieron de Bach, generalmente obras para teclado, pues el resto de su producción estuvo sumida en el olvido. Beethoven, sin conocer la totalidad de su obra, lo definió con un hermoso juego de palabras en alemán: "Nicht Bach, sondern Meer sollte er heissen", cuya traducción es "No debiera llamarse "Bach" ('arroyo', en alemán), sino "Meer" ('mar')".


Obra
Género Ejemplos
Concierto Concierto para clavecín BWV 1052
Preludio/fantasía/toccata y fuga Preludio y fuga BWV 894
Toccata Toccata BWV 916
Pasacalle Passacaglia y fuga BWV 582
Sonata Sonata BWV 527
Suite Suite inglesa BWV 806
Fantasía Fantasía BWV 542
Preludio Preludio BWV 846
Fuga Fuga BWV 1025
Canon Canon BWV 1074
Coral Coral BWV 688
Cantata Cantata sacra BWV 122
Oratorio Oratorio de navidad BWV 248
Misa Misa luterana BWV 234
Magnificat Magnificat BWV 243
Pasión Pasión de san Mateo BWV 244
Partita Partita BWV 828
Sinfonía Sinfonía de la cantata BWV 35
Lied Lied BWV 508
Aria Aria de la cantata BWV 3
Recitativo Recitativo de Fantasía cromática y fuga BWV 903
Dentro de su vasta obra existen dos grandes bloques: uno es la música vocal, que comprende cantatas, pasiones, oratorios, corales, etc., y el otro es la música instrumental, desde conciertos (varios para un único solista y otros con hasta incluso cuatro solistas), sonatas, suites, oberturas, preludios, fugas, fantasías, cánones, ricercares, variaciones, pasacalles, etc. para una amplísima gama de instrumentos (prácticamente todos los de la orquesta) de su época (la primera mitad del siglo XVIII), desde los más modernos, flauta traversa, hasta los que estaban en su cenit (laúd, viola da gamba, clavecín...), incluso con instrumentos que quedaron como una curiosidad y nada más, como el clavecín-laúd, un híbrido de clavecín y laúd.

En su música se sintetiza toda la tradición de la música occidental precedente (la polifonía que iniciaron Perotin y Leonin, el Ars nova, la música renacentista de Giovanni Pierluigi da Palestrina (1524-1594), Girolamo Frescobaldi (1585-1645), Dietrich Buxtehude (1637-1707) y Antonio Vivaldi (1675-1741), que aprendió, copió y adoptó desde su juventud, como lo hizo en Weimar (1708-1717), cuando, por gracia del duque, pudo mejorar algunas de sus obras y adaptarlas en sus Conciertos BWV 592-597 y BWV 972-987,conociendo perfectamente todos los estilos de su época.

Durante los últimos años de su vida su obra fue considerada anticuada, árida, difícil, rebuscada y muy llena de adornos, incluso para sus contemporáneos. Por entonces, el estilo musical había cambiado notablemente, las nuevas generaciones de músicos componían de forma muy diferente a Bach, era el llamado estilo pre-clásico o galante, en el que la música era más bien homofónica, y el cargado contrapunto que Bach usó apenas asomaba.

Por esa razón, en 1737 Johann Adolph Scheibe (crítico musical de la nueva mentalidad Ilustrada) criticó muy duramente la música de Bach, comentando: "Espera que instrumentistas y cantantes hagan lo mismo que él cuando toca el clavecín".

Por ello, después de su muerte, la música tomará una dirección en la que su obra no tendrá cabida; él es el punto final respecto a entender la música que se remontaba a la Edad Media, cuando tenían más importancia las voces que el timbre, la codificación, etc.

Pero Bach también fue innovador y abrió caminos para la música del futuro. Él creó el concierto para teclado en el 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050 (1719), en el cual el teclado adquiere un papel solista que hasta entonces nunca había tenido.

Después, G. F. Haendel y Vivaldi tomarían ejemplo de esta novedad y compusieron sus Conciertos para órgano. opus 4 (1735) y Concierto para clavecín. RTV 780 respectivamente, fundándose así un nuevo género que adquiriría bastante importancia en los siglos posteriores, como los conciertos para piano de Haydn, Mozart, Beethoven, Schumann, Chopin y Liszt testifican.

Bach fue el primer gran maestro del "concierto para teclado", siendo la serie de conciertos BWV 1052-1065 (1735) su máximo logro en el género, naciente entonces.

Su producción está totalmente sostenida en la coral alemana, el concierto italiano y la suite francesa, donde el contrapunto alemán del norte, muy complejo y rebuscado, tiene un papel muy importante, y todo lo junta haciendo un estilo moderno-arcaico, a la vez que es inconfundible y fácilmente reconocible.

Dominó a la perfección el estilo, técnica y géneros autóctonos alemanes del órgano (toccatas, preludios, fugas, corales), franceses del clave (suites, oberturas) y los italianos del violín (conciertos, sonatas, sinfonías). Su estilo es fácilmente adaptable en todos los géneros de su época, quizás excepto la ópera, género en el cuál no escribió ni una sola nota, aunque el lenguaje e influencia de la ópera seria del siglo XVIII está presente e impregna su producción vocal.

Especialmente en las cantatas, pasiones y oratorios, se plasma notablemente la influencia de la ópera, donde la Cantata del Café BWV 211 (1735) es prácticamente como una pequeña ópera sin representación escénica, y la Pasión según san Mateo BWV 244 (1727), una gran ópera religiosa sin representación. Aquí Bach muestra interés en un género que nunca le tentó ni siquiera a componer, aunque sí a escuchar, como en 1735 cuando acompañado de uno de sus hijos vio una ópera de Jean Christophe Geiser.

Bach prácticamente compuso para todos los géneros, en multitud de combinaciones instrumentales y vocales. Culminó y realizó obras destacables en todos los géneros[6] , abarcando todos los aspectos, aparte de mejorar el género, elevarlo a un nivel superior e incluso crear géneros nuevos, como la sonata para teclado y un instrumento.

En algunos géneros es el gran maestro de todos los tiempos. Sus Pasiones son las mejores obras de todo el repertorio, igual que las cantatas sacras[7] , las tocatas y fugas, los preludios y fugas, pasacalles, y otros géneros, donde sus obras son el apogeo y máximo esplendor del mismo.

Después de Bach, algunos géneros (que él tanto cultivó y elevó a su máximo esplendor) fueron cayendo en el olvido para los grandes compositores.


Los tres periodos estilísticos de su música
La obra de Bach, como la de Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcado por las influencias y asimilación de los estilos de su época, desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739/1740 son capitales para la evolución de su estilo.[8]

El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano, y cantatas sacras; asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses del siglo XVII.

El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740, afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y se influencia con la música italiana de finales y primer cuarto del siglo XVIII, en que, ******** y sintetizando las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y del estilo alemán(sobriedad, contrapunto complejo y textura interna) logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo menos el género de la ópera. En Leipzig y Kothen, ya forjado su estilo personal, adquiere un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo.

El último período de su música, va desde la publicación del Clavier-Uburg III, en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo el Arte de la Fuga. En este período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría más adelante Beethoven, en que su estilo personal se vuelve mas contraputístico, con una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquellos momentos.


La música vocal
La música vocal de Bach que ha llegado intacta, se manifiesta en 525 obras, aunque solo se han conservado 482 completas. La componen:


Cafetería Zimermann, donde Bach trabajó entre 1732 y 1741. Aquí compuso y interpretó la famosa Cantata del café BWV 211 (1735).224 cantatas
10 misas
7 motetes
2 Pasiones completas (de la BWV 247, la de San Marcos, sólo existe el libreto, y la BWV 246, la de San Lucas, es apócrifa)
3 oratorios
188 corales
4 lieder
1 quodlibet
58 cantos espirituales
Toda su música vocal es semireligiosa —sólo 24 cantatas, 4 lieds y 1 quod líbet son profanos— y está compuesta en el seno de la Iglesia luterana alemana, donde era una tradición muy fuerte.

La gran mayoría de su música vocal está compuesta en Leipzig, entre los años 1723 y 1741, siendo Bach, Cantor, y teniendo entre otras obligaciones, el componer cantatas, Pasiones y motetes para las cinco iglesias más grandes de la ciudad, además de los actos civiles y religiosos, como por ejemplo funerales.

Entre la música coral de Bach hay que destacar también sus preludios corales, unos 170 aproximadamente, que compuso para órgano. La antología Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano), que el mismo recopiló en Weimar y en Cöthen, comprende breves preludios corales, que muchas veces destinaba a fines educativos. Esto queda reflejado tras el título de la Orgelbüchlein, donde dice que este “pequeño libro para órgano, en el que se imparte al organista principalmente enseñanza sobre toda suerte de maneras de desarrollar una coral y también para mejorar su técnica del pedal, puesto que en estos corales el pedal está tratado por completo en obbligato (es decir, esencial, no optativo)”.

Además escribió y recopiló libros de pequeñas piezas para clave que sirven, además, de enseñanza para técnica y música al mismo tiempo. Un ejemplo de estas obras didácticas son las Invenciones a dos voces y las Sinfonías a tres voces, al igual que el primer libro de El clave bien temperado.

Bach no diferenciaba en un principio entre el arte sacro y el profano, ya que según él, ambos estaban dirigidos a ensalzar “la gloria de Dios”. Un ejemplo de ello es la utilización de los mismos textos para la música sacra y la profana, como sucede con la música del Hosanna de la Misa en si menor, que antes había utilizado en una cantata en homenaje a Augusto II el Grande, rey de Polonia, con motivo de una de sus visitas oficiales a Leipzig. Durante su estancia en esta ciudad, compiló tres antologías corales para órgano: las seis corales Schüber, que son transcripciones de movimientos de cantata, dieciocho corales, que revisó entre 1747 y 1749 y que fueron compuestas en épocas anteriores. Todos ellas incluyen composiciones para órgano como variaciones, fugas, fantasías, tríos y diversos preludios corales. Todos los corales que son posteriores a Bach están concebidos con proporciones mayores que los del Orgelbüchlein y son menos íntimos y subjetivos.


La música instrumental
De la música instrumental de Bach se conservan 227 piezas para órgano, 189 piezas para clavicémbalo, 20 para instrumentos a solo, 16 para cámara, 30 orquestales y 18 especulativas. En total son 494 las obras instrumentales completas, que se reparten en:


Ciudades donde Bach habitó.7 cánon para diversos instrumentos
2 sinfonías orquestales
4 suites orquestales
24 conciertos para teclado, violín, flauta solistas y orquesta
16 sonatas para violín, flauta y viola da gamba solistas y teclado o bajo continuo
17 suites y partitas para violín, laúd, violoncello y flauta a solo
1 fuga para laúd
2 obras teóricas especulativas para diversos instrumentos (El arte de la fuga (BWV 1080) y la Ofrenda musical (BWV 1079))
9 sonatas en trío para órgano
26 preludios, toccatas, fantasías y fugas para órgano
10 fugas, fantasías y preludios sueltos para órgano
1 ejercicio para pedal para órgano
1 pasacalle y fuga para órgano
1 canzone, allabreve, aria y pastoral para órgano
6 conciertos para órgano solo
corales para órgano
3 partitas-corales para órgano
1 variación canónica para órgano
30 invenciones y sinfonías para clavecín
4 dúos para clavecín
27 suites y partita para clavecín
3 minuetti para clavecín
56 preludios, fantasías y fuga o fughettas para clavecín
34 tocatta, preludios y fugas sueltas para clavecín
4 sonatas para clavecín
18 conciertos para clavecín solo
3 arias con variaciones
2 caprichos para clavecín
1 applicatio para clavecín
Su música instrumental, a la vez, se divide en tres grandes familias según las formaciones de los instrumentos que intervengan, en el puesto profesional que ocupaba en aquel momento y las características musicales de cada genero y/o obra.

La música para órgano, en su gran mayoría, fue compuesta entre 1700 y 1717, cuando trabajaba como organista en Mühlhausen y Weimar. La música de cámara y orquestal, mayormente entre 1717 y 1723 cuando residía en Kothen, y después entre 1735 y 1747 cuando era director de música del Café Zimmerman en Leipzig. La música para clave y clavicordio, entre 1722 y 1744, cuando era Cantor en Leipzig.

Toda la música instrumental, excepto los corales para órgano, es profana, y mucha de ella, especialmente la destinada al teclado, de carácter didáctico, como El clave bien temperado BWV 846-893 y la serie de las suites inglesas-francesas-partitas de dicha serie que fue compuesta por Bach para enseñar el arte de componer a su hijo Wilhelm Friedemann Bach.


Instrumentación de sus obras
La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII, incluyendo instrumentos modernos para su época, o antiguos, que después de 1750 caerían en desuso.

Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano, clavecín, cuerdas, violín y flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro. Otros instrumentos que tienen menor importancia en aparición, como la trompeta, el laúd, el fagot, el corno, el timbal o el oboe y otros, son testimoniales, estando destinados únicamente a un número muy reducido de obras.


Teclado
El órgano ocupa, junto con el clavecín, el primer puesto en las obras de un instrumento solista y un papel central en la obra bachiana con las más de 400 obras destinadas a ellos, aparte de ser el sostén como bajo continuo de las obras orquestales, las cantatas, las misas, las pasiones y algunas obras de cámara. También estos dos instrumentos adquieren un papel importante como solistas o acompañantes en las sinfonías y arias de las cantatas, las sonatas para teclado y un instrumento solista monódico, y los conciertos para cuerdas y uno, dos, tres o cuatro teclados.

Como todo compositor del barroco, dirigía sus obras desde el clavecín u órgano cuando interpretaban sus piezas más de un instrumento solista, y componía basado en ellos todas sus obras, de manera que la importancia de estos dos instrumentos se acentuó todavía más en la producción bachiana. También solía dirigir la orquesta tocando simultáneamente la viola.

Su aporte a la literatura, avances técnicos y de interpretación, evolución e historia de estos dos instrumentos fue capital, explotando al límite sus capacidades, haciendo sonidos y efectos nunca vistos, investigando y mejorando los recursos, la ejecución, haciendo una demostración sobre las 24 tonalidades mayores y menores en El clave bien temperado 846-893, llevando al cenit las posibilidades que podían ofrecer estos dos instrumentos hasta entonces.


Órgano

órgano de Weimar en 1660. En este instrumento, Bach compuso entre 1708 y 1717 gran parte de su obra organísticaDesde sus primeros años hasta su muerte destinó un gran número de obras a este instrumento y quizá sea el más ligado y el más representativo de la figura del genio.

Su estilo procede de la escuela alemana, en la que de su maestro Dietrich Buxtehude coge los rasgos de la escuela del norte de Alemania, y de Johann Pachelbel los de la del sur, que él fusiona sacando la máxima expresión, siendo la cumbre de la escuela. Él es el último representante importante.

Su aportación al órgano fue tan numerosa y capital en calidad y cantidad que se considera que es el mejor compositor de música organística de todos los tiempos. Anton Bruckner (1824-1896) y Cesar Franck, grandes organistas y compositores del instrumento, lo afirmaron al oír sus obras para órgano.

Órgano como solista a solo: El órgano tiene su papel principal en el corpus de obras BWV 525-771, donde tiene pasajes bastante memorables. Se divide en dos grandes bloques, la de temática libre, que incluye las toccatas, preludios, fugas y sonatas, y la de la temática religiosa, que incluye los corales instrumentales y las variaciones-partitas y los preludios corales.

Aquí desde sus primeros años hay obras que ya denotan la madurez del autor como la Toccata y fuga (BWV 565), 1708, y la Toccata, adagio y fuga (BWV 564), llegando hasta sublimes obras que explotaban todos los recursos con una maestría y calidad sobresalientes en la etapa de Leipzig, como las Variaciones canónicas (BWV 769), 1746.

Órgano como solista y acompañante obligado: En las funciones de acompañante y solista con más de un instrumento, el papel de éste instrumento se encuentra en las cantatas sacras, generalmente en las correspondientes a los años 1726-1727.

En esas cantatas, el órgano tiene su papel solista obligado con las cuerdas en las sinfonías, como si fuera un concierto para órgano y orquesta, como en los conciertos para órgano de su contemporáneo G.F. Haendel. Esos movimientos abrían la cantata y servían como introducción de la obra y como lucimiento del autor sobre el instrumento. Todas las cantatas sólo tienen una pieza de introducción que Bach llamó sinfonía, menos la BWV 35, que tiene dos. De esas sinfonías después saldrían algunos conciertos para clavecín y cuerda de la serie BWV 1052-1065 del año 1735.

Después del papel de solista en las sinfonías, el órgano acompaña a la voz en arias de algunas cantatas solo o con cuerda o bajo continuo. Aquí generalmente acompaña y juega a la voz de manera bastante notable, como el aria de la BWV 35.


Clavecín
En su época era el instrumento de teclado por excelencia, con mucho prestigio en Alemania y en Francia.[9] Sus obras destinadas al instrumento así lo testifican[9] , formando el corpus BWV 772-994, con más de 245 obras en su haber.

Clavecín solo: Destinó para el clavecín solo, una gran cantidad de obras, entre las cuales hay algunas de gran importancia en la historia del instrumento y de su autor. Es obligatorio citar las Variaciones Goldberg (BWV 988), que el autor lleva a la cima el antiguo arte de las variaciones[9] y es la obra de clave mas difícil de interpretar del barroco, El clave bien temperado (BWV 846-893), las partitas BWV 825-830 y el Concierto italiano (BWV 971), obras de máxima madurez y cumbre de la literatura tecladística desde el nacimiento de los instrumentos de teclado hasta entonces.

Clavecín como solista y acompañante obligado: El clavecín, como acompañante y solista, tiene bastante importancia en las sonatas y los conciertos de Bach, que le dio un papel novedoso como nunca antes se había hecho.

En los conciertos, el clavecín adquiere la función de solista y adquiere un rol que nunca había tenido antes. En el famoso 5° Concierto de Brandeburgo BWV 1050, por primera vez, el clavecín alterna el papel de bajo continuo con el de solista, uniéndose a los dos solistas restantes para acabar en una genial y virtuosísima cadencia que explota todas las posibilidades del instrumento. Lo mismo ocurre en la BWV 1044, aunque éste es una transcripción del Preludio y fuga BWV 944. La BWV 1050 trazó un camino, que desembocaría en 1735 en la serie de conciertos BWV 1052-1065, donde el clave juega el papel de solista.

En las trío-sonatas, el clave tiene una función novedosa que anticipa la sonata de finales del siglo XVIII, aparte de la función tradicional de bajo continuo. Esta novedad se advierte en tres series de sonatas que superan el modelo tradicional de la sonata en trío para formar un dúo de instrumentos solistas más clave solo. Hay en estas piezas trozos en los que el clave acompaña a los solistas realizando el bajo continuo con la ayuda en la mano izquierda de la viola de gamba o el violoncello. Las sonatas que tienen ese papel tan novedoso son las BWV 1014-1019, 1027-1029 y 1030-1035, para violín, flauta y viola da gamba respectivamente.


Cuerda
La familia de las cuerdas, compuesta en la primera mitad del siglo XVIII por el violín, violín 'piccolo', viola, viola da gamba, viola d'amore, violoncello y contrabajo, son el sostén armónico y melódico de la música del Barroco. Los instrumentos más graves cumplen la función de bajo continuo junto con el omnipresente teclado.

Bach, como todo músico del Barroco usaba cuerdas en toda su obra, siempre violoncellos y violones (el miembro más grave de la viola de gamba) o contrabajos, el miembro más grave de la familia de los violines, con la función de interpretar el bajo.

Bach era un excelente organista, clavecinista, violinista, y violista. No tocó la viola de gamba, pero era amigo de factores de esos instrumentos, por lo que conocía con exactitud las caraterísticas, las virtudes, los defectos y las limitaciones de esta familia, sacando el máximo rendimiento y explotación en sus obras, donde la dificultad técnica y la belleza brillan en todo su esplendor.

Como en la música para teclado, su aportación en este campo supuso un antes y un después en la historia de esta familia, especialmente para el violín y el cello.


Violín
Uno de los instrumentos nacidos en el Barroco, tuvo ya en la segunda mitad del siglo XVII italiano, geniales obras de manos de Corelli y Torelli, los primeros maestros de este recién nacido instrumento. Después vendría Vivaldi, que lo elevaría y mejoraría a otro nivel, haciendo del instrumento el rey de la época barroca.

Violín solo: Las obras son las tres Sonatas y partitas para violín solo BWV 1001-1006. Escritas en Köthen en 1720, estas obras son uno de las ejemplos cumbres de este instrumento, donde una polifonía muy refinada, técnica y virtuosismo componen pasajes muy memorables, como la célebre chacona de la partita 2.

Violín solista y obligado: El violín como solista está presente en muchos conciertos, donde se le confiere un papel muy virtuoso al estilo italiano ******** el ejemplo de Vivaldi. Los conciertos que tiene como solista son los dos Conciertos para un violín y cuerda BWV 1041 y BWV 1042, y para 2 violines y cuerda BWV 1043, todos escritos en Kothen hacia 1720, superando el modelo vivaldiano del concierto. Además, el violín tiene una función como solista junto con otros instrumentos solistas en el Concierto BWV 1044, junto con el clave y la flauta, y en los Conciertos de Branderburgo BWV 1047, BWV 1048, BWV 1049 y BWV 1050, donde juega y complementa con la trompeta, el oboe, la flauta dulce, el clave y la cuerda entera. En algunas sinfonías de las cantatas, como ejemplo el BWV 1045, también otorga al violín el rango de solista, aunque no tiene el protagonismo ni la importancia del órgano.

El violín consta y tiene notable papel en la música de cámara, en la especulativa, en la vocal religiosa y en la vocal profana. En la música de cámara, el violín, al igual que en el caso del clave, hace un papel novedoso en las 6 Sonatas para clave y violín BWV 1014-1019, una de las cimas de la música de cámara del siglo XVIII y una de las obras más queridas, e interpretada por su propio autor e hijos.


Violoncelo
El instrumento más grave antes del contrabajo de la familia de las cuerdas, que nació hacia 1530 en Italia, en la segunda mitad del siglo XVII sufrirá un gran auge entre los compositores, como faceta de acompañante de bajo continuo junto al clave y órgano, relegando a principios del siguiente a la obsoleta Viola da gamba. Gran parte del éxito en aquella época se debe a compositores como Vivaldi, y Bach, que quedaron entusiasmados por las nuevas características técnicas y el potente sonido que superaba los límites de la viola da gamba, de ejecución más difícil que el violoncello.


La primera pagina del manuscrito de Anna Magdalena Bach de la Suite No. 1 para violonchelo solo,BWV 1007
Bach fue uno de los primeros compositores que compusieron para el nuevo instrumento, con apenas precedentes que las obras de Vivaldi, entre otros, incluso investigó a fondo las características sonoras y técnicas e hizo fabricar especialmente para sus obras, tipos de violoncellos especiales como el "de amore", cuyo ejemplar está conservado en el Museo de Leipzig.

El violoncello abarca muchas facetas de la su obra, como solista y acompañante, cuya única aportación a solo, y la más destacada, son las seis Suites para violonchelo solo BWV 1007-BWV 1012, la más sobresaliente de Bach para este instrumento y una de las cumbres de la composición para cello, escritas en Köthen en 1722.

Como el órgano, el violoncello como función de solista está fundamentalmente en las cantatas, especialmente en las arias, donde es notable su participación en la aria para bajo de la BWV 132, además de la Pasión de San Juan y Pasión de San Mateo.

Como acompañante, su presencia es junto al órgano y el clave, un miembro básico para ejecutar el bajo continuo, omnipresente prácticamente en la música vocal y la música orquestal y de cámara.

En gran parte de las 200 cantatas, misas y Pasiones, un violoncelo hace de acompañante junto al clave/órgano en las arias que solo requieren bajo continuo y el interprete cantor, como ejemplo la primera aria de la Cantata BWV 149.

Entre las características sobresalientes de Bach se encuentra su dominio de complejos e ingeniosos contrapuntos. Llevó a su culminación el género de la fuga en su obra El clave bien temperado, que consiste en 48 preludios y fugas, un preludio y una fuga para cada tonalidad mayor y menor. Otro trabajo importante es El arte de la fuga, que quedó inconcluso, al morir mientras lo componía. Compuesto con la idea de que fuese un conjunto de ejemplos de las técnicas del contrapunto, El arte de la fuga consta de 14 fugas con diferentes formas, pero todas con el mismo tema básico.

También revisten gran interés sus conciertos, que compuso basándose en la forma de los conciertos de Antonio Vivaldi. Así, por ejemplo, los Conciertos de Brandeburgo se caracterizan por estar dedicados cada uno de ellos a un grupo diferente de instrumentos solistas.

Bach escribió mucha de su música para la Iglesia luterana. En particular sus cantatas fueron compuestas para las misas dominicales, y sus Pasiones para las ceremonias de Viernes Santo.

Además de las ya citadas, otras de sus obras célebres son las Suites para orquesta, las Suites para violonchelo, los Conciertos para violín y la Misa in si menor.

El reestreno de la Pasión según san Mateo el 11 de marzo de 1829 por Felix Mendelssohn dio un gran impulso a la divulgación de la música de Johann Sebastian Bach. Este hecho destaca de sobremanera, ya que se trataba de música muy antigua para su época. En la actualidad se acostumbra a interpretar obras de otros siglos, en el período romántico no era así.


Influencias
La música del Cantor tiene múltiples influencias, directas e importantes, que proceden de compositores alemanes, franceses e italianos del siglo XVII y principios del XVIII. Los compositores que son influencia central en la música del Cantor, se pueden dividir en 5 grandes bloques y regiones nacionales. Estos son:


Buxtehude,una de los compositores que mas influyeron en la música de Bach,especialmente en la de órgano.Músicos de Alemania central:
Johann Christoph Bach, Johann Pachelbel, Johann Kuhnau, Johann Ludwig Bach, Johann Gottfried Walther, Johann Georg Pisendel, Silvius Leopold Weiss, Johann Friedrich Fasch
Músicos de Alemania del norte:
Johann Adam Reincken, Dietrich Buxtehude, Nicolaus Bruhns, Georg Böhm
Músicos de Alemania del sur:
Johann Jakob Froberger, Johann Caspar Kerll, Johann Caspar Ferdinand Fischer, Johann Joseph Fux
Músicos italianos:
Giovanni Pierluigi da Palestrina, Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli, Giovanni Legrenzi, Giovanni Bassani, Giuseppe Torelli, Alessandro Marcello, Tomaso Giovanni Albinoni, Antonio Vivaldi, Benedetto Marcello, Nicola Antonio Porpora, Francesco Durante, Giovanni Alberto Ristori, Giovanni Battista Pergolesi
Músicos franceses:
André Raison, François Dieupart, François Couperin, Louis Marchand, Nicolas de Grigny
Bach se interesaba, estudiaba y se influenciaba de compositores contemporáneos, teniendo con muchos de ellos relación personal directa. Entre ellos, cabe mencionar a Jan Dismas Zelenka, Johann Mattheson, Georg Philipp Telemann, Reinhard Keiser y Georg Friedrich Händel.


El catálogo BWV de su obra
Artículo principal: Anexo:Catalogo BWV de Johann Sebastian Bach
Artículo principal: BWV
El registro o catálogo de sus obras, que abarca en total 1 127 obras, fue elaborado por Wolfgang Schmieder en 1950, después de la Segunda Guerra Mundial. Se conoce por las siglas "BWV", que significan Bach Werke Verzeichnis, o 'Catálogo de obras de Bach'.

El catálogo es un sistema de numeración usado para identificar las obras de Johann Sebastian Bach. A diferencia de otros catálogos que están ordenados cronológicamente, el de Schmieder está clasificado por tipo de obra de la siguiente forma:

1-200: Cantatas religiosas
201-215: Cantatas profanas
216-224: Otras cantatas
225-231: Motetes
232-242: Misas
243: El Magnificat
244-247: Pasiones
248-249: Oratorios
250-438: Composiciones corales
439-524: Lieder y arias
525-771: Obras para órgano
772-994: Obras para clavecín
995-1000: Obras para laúd
1001-1013: Obras para solistas instrumentales
1014-1040: Música de cámara
1041-1071: Conciertos
1072-1080: Obras de contrapunto (es decir, cánones y otros)
1081-1127: Obras encontradas después de 1950
Por esta razón un número BWV menor no indica una obra cronológicamente temprana


Mucha Suerte!!!

Answer 3

Sé que es considerado el padre de la música. ¿No es así?

Answer 4

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Answer 5

uno de los más grandes genios de la música=)

Answer 6

Sinceramente, más de lo que quisiera, mi padre lo adora, y cuando era niña, sonaba mucho por casa....aún no me he reconciliado con el... (con Bach quiero decir.jaja)Saludos

Answer 7

Bueno para no darte un montón de datos que puedes encontrar en cualquier enciclopedia, te diré que Beethoven consideraba a Bach el padre inmortal de la armonía, cosa interesante por qué no lo consideraba un polifonista inmortal.

A Bach se le considera un gran polifonista desde el punto de vista armónico, es decir su polifonía parte del punto de vista vertical (armónico) al contrario del de Palestrina que es horizontal (melódico). Esto significa que la polifonía y melodía bachianas siempre perfilan una armonía dada.

Se han encontrado aspectos impresionantes en la música de Bach relativos a las dimensiones y efectos de espejo en los procesos polifónicos que lo relacionan con los cuadros de Esher. Su música puede ser más complicada que muchas cosas hechas por la música contemporánea.

Answer 8

lo estudie en la high school
y en la universidad

besos te quiero mucho y
sabes ya eliminaron mi prekuntta otra vez estan sobre mi creo que ahora no formare prekuntas en yr religeon poesias muaks

Answer 9

Lo mismo que se sobre Vivaldi.

http://ar.answers.yahoo.com/question/index;_ylt=ApFnpOn0QxY2Ruai3vzNwRuA9gt.;_ylv=3?qid=20071203201431AAHqWUm

Answer 10

Como ya se dijo, no tiene caso venir a poner una biografía por aquí; en lugar de eso te dire algunas apreciaciones: el aleman es considerado junto con Handel y Vivaldi como el maximo exponente de la musica de la primera mitad del siglo XVIII; toda su musica refleja su maestría en el contrapunto y significa en cierta forma un resumen y maxima muestra del arte musical aleman del todo el siglo anterior.
Sus obras para organo y clave siguen siendo tan buenas tanto para ser escuchadas como para estudio que aun actualmente casi todos los musicos han tenido que practicar por lo menos alguna vez musica suya.

Su musica vocal (particularmente la religiosa) revela el dominio que poseia de su arte sin que por eso se sacrificara la "espiritualidad" de la obra, con partes algunas realmente dramaticas (obviando por supuesto a su contemporaneo Handel).

Bach fue considerado junto con Handel como el mas grande interprete de órgano de su epoca, hecho por el que era conocido aun mas que por compositor. Las obras para teclado de ellos dos son todavia frecuentemente interpretados en los recitales junto con las de D. Scarlatti que curiosamente nacio el mismo año que ellos.

Si deseas saber mas de él te recomiendo que te compres una biografía a cargo de Christoph Wolff que esta realmente muy buena, y huye de todas aquellas escritas en el siglo XIX que no hacen mas que contaminar la realidad con absurdos romanticismos.

Un saludo.