¿Por qué Picasso dibujaba tan geometricamente?

Answer 1

Pablo Picasso ha sido llamado el gran genio de la pintura contemporanea.

Fue uno de los artistas mas completos que comenzó a incursionar en el arte ya a la edad de cuatro años estimulado por su padre que era profesor de Dibujo, ya a corta edad pone de manifiesto su talento y haciendo eco de ello su padre declarara posteriormente que luego de ver el talento que tenía su hijo no le había quedado otra alternativa de abandonar los pinceles, son algunas de las experiencias familiares que se cuentan de una artista tan genial y excentrico como lo fue Pablo Picasso.

Siendo muy disciplinado con su oficio investigó todas las formas de expresión posible , era un inconformista , un revolucionario que hacia del Arte su filosofía de vida.

En sus viajes por España y su posterior incursion en la vida artística en París, no dejo de investigar y empaparse de todas las corrientes intelectuales que circulaban.

Primeramente es un pintor formal academico, luego comenzamos a presenciar en el todo ese vuelo que va obteniendo a traves del contacto con otros artistas, asi es como se desarrollan en el el período azul y el período rosa, momentos cargados de sensibilidad, impregnados de la experiencia que le toca vivir .

Durante la estadía en Paris toma contacto con el pintor Paul Cezanne y partiendo de él va a ir a desarrollar una nueva formula pictórica que se convierte en un estilo muy especial.

Para Cezanne que buscaba una objetividad, estructurandola mediante la graduación metódica del color y el espacio ,su proceso creativo va a basarse en indagar en la naturaleza y los objetos, buscando sus estructuras geometricas basicas que la sustenta

Cézanne eliminó la sensación subjetiva de la perspectiva y descompuso también los objetos en elementos básicos, como esferas o conos. Sus obras expresan rigidez y monumentalidad, debido al análisis geométrico que hace del volumen.

Con esto, Cézzane conquistó un nuevo lenguaje, fundamental para tendencias posteriores, como el Cubismo.

Como Picasso era un gran estudioso y entusiasta de todo aquello que rompia las reglas de la academia, se encantó con esta teoría impregnando sus obras.

Así es como Picasso incursiona en este su nuevo estilo dejándo el período azul y el rosa como parte de su propia historia, de esta misma manera no tardaría en en abandonar el Cubismo y continuar con otro descubrimiento.

El Cubismo se podría calificar como un estilo geométrico, pero dentro de la Historia del Arte tambien se dan otros estilos que guardan en su interior procesos como este.

Sin duda la fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año de encuentro entre Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos, fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del movimiento, pero las primeras obras cubistas fueran pintadas por Braque.

"Las señoritas de Avignon" en 1907 se consideran la piedra angular del arte del arte del siglo **. Una obra maestra marcaba un nuevo punto de partida. A partir de aquí Picasso elimina todo lo sublime de la tradición. El Cubismo sólo es comprensible si rompemos con lo anterior.

En el Cubismo no hay nada de teórico, sino que todo son descubrimientos, siendo estas sus principales caracteristicas:

1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de un caleidoscopio.

2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo significativo.

3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto vien dado por la descomposición del volumen.

4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el verdadero color de ninguno de ellos

5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las simplifica. Cézanne ya redujo sus composiciones a las formas geométricas, por eso ejercerá tanta influencia en el Cubismo.

6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Esta es una experiencia que constituye la base intelectual. Los pintores cubistas vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.

Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y etapas del Cubismo: científico, órfico e instintivo. Otros especialistas se han referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase sintética.
Todas estas denominaciones responden a un deseo de taxonomizar la inevitable evolución del Cubismo:

1. Fase analítica:En el primer momento, se partió de la observación de la realidad para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista.

2. Fase hermética: Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica, Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical, o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación "realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.

3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura:
En esta fase se dio un nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre, sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un paso más, asistimos al nacimiento del Collage.

El primero que lo practicó fue Braque. La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto. A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global. Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que comience a hablarse de la "introducción de intrusos". Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la escultura y su tridimensionalidad. El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y adquieren características propias.

Muchas veces se ha relacionado el arranque del collage cubista con el Ready-made de Duchamp. El collage se usó como nueva forma de trabajar tanto técnica como estéticamente, y derivó hacia otras técnicas diferentes como el fotocollage.

Los representantes del cubismo fueron PabloPicasso,Georges Braque y Juan Gris.

Posteriormente aparecen otros pintores que trabajan con la geometria en la pintura, pero estan lejos de llamarse cubistas, estos pertenecen a otros movimientos pictoricos, entre ellos encontramos a Delaunay , Léger, Mondrian, Kandinsky, etc.

Answer 2

Picasso tuvo otra vertiente artística fundamental en la historia del arte moderno, la coprotagonizó con Braque con quien trabajó una parte de su vida artística. El cubismo analítico supera etapas previas inspiradas en la geometría de Cézanne.

Piccaso y Braque en el cubismo no esconden los motivos de la representación: los trocean, los funden con el espacio en el que se encuentran, con el fondo los hacen tan inestables que parecen moverse y emplean en un solo cuadro distintas clases de representación

En su célebre carta del 15 de abril de 1904, Cézanne recomendaba a Émile Bernard que abordara la naturaleza a través del cilindro, la esfera, el cono. No era su intención simplificar las formas, sino tratarlas geométricamente para poder organizar el espacio a través de los mismos objetos y no al margen de ellos.
Al dar este papel a la geometría, Cézanne se distancia tanto de la herencia platónica como del clasicismo. Su conocido lema, rehacer a Poussin desde la naturaleza, pretende, en primer lugar, conceder a los cuerpos su densidad y presencia, restituirles su espacio: el que ellos mismos definen -en sus relaciones mutuas y en las que se establecen con el espectador- que la perspectiva les había sustraído. Reconoce así a los cuerpos el peso, la quietud y la capacidad de crear espacio que les otorgaran Giotto, Masaccio o Rafael, pero estos valores no se buscan por sí mismos sino por un afán de reconstruir reflexivamente la naturaleza.
De ahí que Argan hable de la clasicidad de Cézanne, no de su clasicismo. El recurso a Poussin no es una ciega apuesta por el pasado, sino una elección artística acorde con el proyecto de reconstrucción de la naturaleza.
La geometría en Cézanne no es, pues, un retorno al ideal y menos aún al idealismo, sino el empleo de un medio racional para lograr ciertos fines y conectarlos conscientemente con la tradición pictórica.

En la época moderna, la geometría no reivindica formas inmutables frente a la fugaz apariencia de las cosas ni busca redimir a la bella naturaleza de sus inexactitudes elevándola a la idea, sino que se la concibe como una forma humana de la que se espera un arte que haga justicia a la inteligencia y ponga las bases de una vida más racional.

Desde ese punto de vista hay que comprender propuestas como las de Mondrian o las de Malevitch. Ambos se obligan al estudio y desarrollo de la forma a partir de unos pocos elementos básicos: el plano y la línea en Mondrian, en Malevitch el cuadrado.
Este carácter normativo no persigue, sin embargo, la consecución de la buena forma, tal como la entienden los manuales al tratar la escuela de la Gestalt. Es más ambiciosa: busca formas sencillas y transparentes, que ayuden a elevar la reflexión y el análisis, y tan fértiles como para poder extenderse a diversos ámbitos de la cultura: desde la arquitectura al diseño, del urbanismo a la pedagogía.

No espera alcanzar estas metas a golpe de preceptiva, sino suscitando en el espectador su saber de espacios. La experiencia de la urbanización se cumple en espacios considerados racionales por las exigencias económicas y productivas, pero que no tienen en cuenta las formas de vida. Éstas se traducen o en un oropel que intenta mantener viejos modelos ya imposibles o en alojamientos que, como mostraron Chaplin o Grosz, tenían mucho de inhumanos. En estos últimos no se tenían en cuenta ni aun el orden y la claridad del nuevo urbanismo industrial, las zonas que entusiasmaban a Apollinaire. La experiencia de la dolorosa anarquía de los espacios presentes y la anticipación de otros ordenados pero que contuvieran la variedad apasionante de la ciudad son inseparables de la inspiración del arte normativo que tiene en cuenta el malestar esperanzado de los pobladores de la ciudad.

Es, pues, una geometría viva. Su afán de racionalización, sin ser instrumental, no se despega de las variadas dimensiones en las que vive el hombre moderno. Es tentador relacionar las propuestas de Mondrian y Malevitch con las ideas nucleares de la escuela de la Gestalt: las que establecen la prioridad del campo perceptivo. Según esas ideas, la percepción no se limita a recoger los datos que ofrece de modo aletorio lo que nos rodea, sino que es una configuración del entorno en la que actúan fuerzas ordenadoras tanto desde el sujeto que percibe como desde el propio medio. La organización del campo no obedece a la magia de la forma geométrica, a la luminosidad de la buena forma, sino que se relaciona con la variada capacidad de orientación del organismo y con la presencia de los objetos que, como ya se sugería en el proyecto de Cézanne, dejan de ser componentes de un brillante espectáculo para la mirada y se convierten en cuerpos que nos rodean, nos presionan, y con los que hemos de contar para tender nuestros espacios. Las indagaciones sobre el campo perceptivo resaltan, en conclusión, la vertiente corporal de la percepción. Nuestra mirada no es la de un espíritu divino que, cerniéndose sobre las aguas, las separa y desde fuera hace surgir el orden del caos. La mirada humana es la de un cuerpo afectado hasta el caos por otros cuerpos. No se limita, sin embargo, a preservarse de ellos, sino que los ordena a la vez que se ordena entre ellos, aceptando la propia firmeza y la de las cosas, y las variadas tensiones que entre ambas se generan.

Si lo situamos en ese contexto, el arte geométrico moderno ya no aparece como un arte frío porque brota de un cuerpo que acepta el desconcierto que producen los objetos en su entorno y se empeña en buscar formas generales (Mondrian) o inobjetivas (Malevitch) para ordenarlos y expresarse. No es casual encontrar valores corporales en ambas abstracciones: el cuadrado en Malevitch encierra firmeza y estabilidad, y suscita dinamismo cuando lo desplaza en el cuadro; Mondrian rechaza la simetría, porque sólo ve en ella una repetición estéril de espacios equivalentes, e introduce en sus cuadros la excentricidad para proponer una forma que, siendo unificada, encierre a la vez en germen un ritmo propio.

El arte geométrico moderno ni es un cultivo de la forma por la forma, ni una evasión hacia la exactitud de figuras simples como refugio ante la complejidad de la vida. La geometría y su valor racional se descubren en esa misma complejidad y se reivindican desde su experiencia y desde la expectativa de orden que el propio cuerpo inteligente concibe al deambular por ella.

Answer 3

EN SU INFANCIA LE COMPRARON PRIMERO EL JUEGO DE GEOMETRÌA Y TIEMPO DESPUÈS LAS ACUARELAS

Answer 4

Jejejeje, Picasso sigue despertando curiosidad y respuestas larguísimas...

En principio el asunto del cubismo y la pintura geométrica (ahora más o menos hace un siglo de las Señoritas de Avignon...), es de índole histórico artística y filósofica.

La vanguardia se caracteriza por un ataque al estatuto de las bellas artes que viene siendo realizado por diversos grupos de artistas a lo largo de los siglos XIX y ** sobre todo. Este ataque se centra, en el caso de Picasso, en los "modos de ver" del artista, una cuestión que parte de Cezànne. El logro de Picasso no es tanto la geometría o el cubismo (quería mostrar varios puntos de vista de una figura de forma simultánea), sino en ser el primer pintor en anular la perspectiva clásica que había estado vigente en la pintura desde el quattrocento!!

Picasso quería hacer algo moderno, por eso se limitó a quitar la perspectiva y realizar sus formas geométricas.

Answer 5

PICASSO,WILFREDO LAM,BRAQUE....TENIAN UN STILO DE PINTAR AL QUE SE LE LLAMA CUBISMO..NO ES PORQUE SEA DE CUBA SINO POR LA FORMA CIMETRICA EN QUE LO HACIAN...ASI QUE CADA VEZ QUE VEAS ALGUN TIPO DE PINTARA CON ESE ESTILO O FORMA YA SABES COMO SE LLAMA

Answer 6

Es parte del proceso del arte, desde los dibujos de la época de las cavernas, el renacimiento y el barroco con su pinturas tipo imagen fotográfica, el impresionismo con sus trazos fuera de lo común, etc.

Picasso fue un innovador y ese cubismo o como le quieran llamar fue uno de sus aportes al desarrollo del arte. Otra forma de pintar donde se incluyen sensaciones y sentimientos del artista y no solamente la reproducción de una imagen.

Answer 7

También hizo pintura figurativa, lo del cubismo fue la consecución de su propio estilo,su última etapa.

Answer 8

Si te refieres a su etapa cubista, se inspiró en una exposición sobre máscaras africanas

Answer 9

Porque se aleja de los canones en el arte, al mostrar representaciones u obras exactas de la realidad... entonces emplea a la geometría para sus obras...

Answer 10

Porque le hacian la vida de cuadritos =)