necesito ke me respondan unas preguntas,LEER por favor?

Question

mi hijo tne ke hacer un trabajo sobre la guitarrra electrica.y no tengo ni las mas minima idea

de donde procede,me refiero su esintencia?

la evolucion hasta hoy en dia?

como se toca?

musicos y obras escritas

interpretes
por favor responder
plis!!!!!!!!!

Answer 1

te voy a responder, la verdad espero darte la informacion mas amplia pues el tema me fascina.

Historia de la Guitarra Eléctrica
De la Revista Descubrir

Hablar de guitarras remonta a Oriente, Grecia y Roma pero no asustarse. Conste nada mas que lo que llamamos ahora guitarra "acústica" o española, pudo haber sido ya un approach al sueño quirurgico-artesanal de la divina costilla, o sea a todo lo bueno y lo malo que sucedería despues. Lo cierto es que, al cabo de siglos de tentar -tanto guitarras como mujeres- enorme variedad de perfiles, nuestro siglo vio cambiar vertiginosamente a unas y a otras. La mujer quiza algo menos, porque siempre fue dueña de todas las armonías y voltajes, pero las guitarras solo son eléctricas desde hace pocos años y luego de curiosa evolución.

La cosa empezo tambien al solcito de un pequeño edén salobre y apartado, porque la guitarra hawaiana o lap steel es el eslabón evolutivo entre las guitarras acústicas y las primeras eléctricas de los años cincuenta. Claro que la cosa no fue tan sencilla, pero cualquier historia que conduzca a las feroces Stratocaster del presente deberá comenzar comenzar -según los estudiosos George Gruhn y Walter Carter- por las idílicas y pioneras guitarras hawaianas. Según todo indica, el primer instrumento musical eléctrico jamás producido, la "Electric Hawaian Guitar" Rickenbacker, era de aluminio y no tuvo femenina linea españolam sino una algo menos esbelta: la de la "sarten" isleña Rickenbacker 1932. Solo en 1935 se lanzaría el modelo "español con exterior de baquelita.
El tono ya no dependió de la resonancia del cuerpo, de su diseño y materiales, sino de la aplificación electrónica. Era ideal para la particular tañodo hawaiano originado -según los naturales- en oahu, en el poblado de Laiem hacia 1894. Fue un tal Joseph Kekuku quien rasgueando con ayuda de peines y cuchillos, innovó primitiva pero inspiradamente sobre la guitarra española. Sus hallazgos crecieron en popularidad año tras año y la música hawaiana tambien, sobre todo luego de incorporar la novedad de las mandolinas en 1910 y el banjo en 1920. Ya por entonces Gibson ofrecía todos sus modelos de guitarra con o sin "equipo hawaiano" y en 1935 -siguiendo a rickenbaker- presentó su primera lap steel. Martin fabricaba en esa misma linea desde 1922 pero con madera de koa, un arbol nativo, y en 1927 ya habia comenzado a identificar sus guitarras con una letra H lego del numero de modelo.
Por eso, tampoco el instrumento eléctrico de Gibson presentado el primero de enero de 1936 llevó las siglas E.S. (Electric Spanish) sino E.H. (Electric Hawaian), E.H. 150, mas exacta e historicamente. Ya en octubre de 1935, Gibson había producido una lap steel equipada con lo que luego fue conocido como microfono "Charlie Christian". No llegaron a fabricarse un centenar de ellas porque los distribuidores rechazaban la idea del cuerpo metalico. Puede verse que los catalogos del 36 ofrecen únicamente instrumentos de madera. Con la E.H. 185, de 1940 vuelven a "metalizarse" en parte, pero es justo recordar que en 1935, national se habia adelantado a introducir -con esa marca y con la de Dobro- las lap steel de aluminio.
Leo Fender y Doc Kauffman tampoco empezaron como podría creerse en 1950 con sus revolucionarias Esquire y Broadcaster (que pronto sería Telecaster). Ellos habían entrado en el negocio con la marca K & F, tanto para la lap steel como para ambos, cuatro años antes. Su primer modelo estaba originalmente pintado de negro. Hubo varias razones para que dezplazaran a las guitarras convencionales y la mas obvia fue que eran mas baratas y fáciles de construir. Fuera de la parte eléctrica y de afinación, solo hacia falta una pieza rígida de material sin formas sutiles, tallados ni caladuras. Para mejor, habia un mercado ansioso del sonido de las nuevas guitarras, pues desde los 30s, su heart and soul había ido penetrando con la música hawaiana y haciéndola representativa.
Los ejecutantes, sobre todo los de grandes conjuntos, encontraron que las seis cuerdas de las lap steel eran un límite. Se desarrollaron diferentes afinaciones pero no se hallaba solución al problema y así, paso a haber tambien modelos con siete u ocho cuerdas. El siguiente recurso para ir superando las limitaciones armónicas fue el de los diapasones extra, que acercaron al ejecutante otra riqueza tonal, pero al costo de un mayor peso del instrumento. El agregado como norma de mas cuerdas y diapasones generó aquellos instrumentos con patas y bases y con dos diapasones de hasta diez cuerdas.
El rumbo correcto era otro: un mejor mecanismo del cambio de tonos del diapasón. La primera lap steel de pie de Gibson se lanzó en 1939; su chan chan postrero se oyó en 1954 y estuvo a cargo de Bud Issac con un solo del famoso "Slowly". En 1950 ya se había anticipado el requíem con la llegada amenazante de la Esquiere de Fender. Pocos años después empezo la fiebre del Rock and Roll. Las lap steel podían adaptarse al nuevo ritmo como lo había hecho al añejo blues pero no eran cómodas para músicos que deseaban cantar y saltar mientras guitarreaban. Por "pesadas" fueron quedando adheridas solo a la música country y pareció no haber ya otro refugio para ellas, salvo excepciones como las del valiente Jimmy Page de Led Zepelin. Gibson despacho sus ultimas lap en el 67. Las marcas de Valco (National y Supro) duraron uno o dos años mas. En los 70s ya casi ni figuraban en los catálogos.


De todos modos, asi como quedan aún tercos enamorados de las gorditas de Renoir y de las flacas de Modigliani, quiza en escondidos garages sobrevivan luthiers-electrisistas que no solo restauran viejas lap steel, sino que tienen a partir de ellas nuevos talismanes para apresar a la cambiante, fugitiva armonía.

Guitarra
1 INTRODUCCIÓN

Guitarra, instrumento musical de la familia de los cordófonos. Tiene un cuerpo plano y entallado, con un agujero redondo y un mástil con trastes, a lo largo del cual hay seis cuerdas, número no obstante que puede variar según el tipo de instrumento, sujetas por un extremo con clavijas de tornillo y por el otro a un puente pegado a la caja del instrumento. Las tres cuerdas agudas son normalmente de tripa o nailon; las otras de metal. Se afinan mi2, la2, re3, sol3, si3 y mi4, con una extensión de tres octavas y una quinta según un acorde tipo. Los dedos de la mano izquierda del intérprete presionan las cuerdas en el traste adecuado para producir las notas deseadas, los de la derecha pulsan las cuerdas. Algunas guitarras con cuerdas metálicas, como sucede con las eléctricas, se pueden puntear con un plectro o púa.

Blues
1 INTRODUCCIÓN

Blues, género musical de origen estadounidense en compás de ¹. Las letras suelen estar ordenadas en estrofas de tres versos: una línea inicial, su repetición y una tercera línea (AAB). La música del blues suele tener 12 compases y se compone de tres frases de cuatro compases cada una (una frase por cada línea de texto). La disposición de acordes más típica para dichas frases se basa en las notas de la escala: primera (I), cuarta (IV) y quinta (V). Así, la frase primera se forma con I I I I, la segunda con IV IV I I y la tercera con V V (o IV) I I. Cada frase del texto cantado suele seguirse de una improvisación instrumental, creándose así un modelo de pregunta y respuesta. La música de blues utiliza una escala en la cual las notas tercera, quinta y séptima están disminuidas medio tono en relación a la escala mayor occidental y reciben el nombre de blue notes. Las letras de los blues suelen tratar sobre las penalidades de la vida y las vicisitudes del amor.

2 HISTORIA

El blues tiene sus raíces en las canciones de los esclavos negros llevados a Norteamérica. Se difundió en el sur de Estados Unidos a finales del siglo XIX. Los blues "arcaicos" o tipo "country" difieren mucho en su forma lírica y musical. Los cantantes generalmente se acompañaban con guitarra o armónica. Entre los antiguos cantantes de este estilo estaban Blind Lemon Jefferson y Leadbelly (Huddie Ledbetter). En 1912, con la publicación del Memphis Blues de W. C. Handy, el blues hizo su entrada en el campo de la música popular. Los blues "urbanos" clásicos evolucionaron durante las décadas de 1920 y de 1930 en las voces de Ma Rainey, Bessie Smith, entre otras. Las formas líricas y musicales se uniformaron en gran medida. Los cantantes a menudo trabajaban junto a una banda de jazz o un piano. En su adaptación para piano solista, el blues dio origen a la técnica de interpretación del boogie-woogie, muy extendida en la década de 1930.

El blues y el jazz se superponen a menudo de forma indistinguible. El blues ha sido considerado como una forma primitiva del jazz, pero también se ha desarrollado de forma independiente. En la década de 1940, cantantes como T-Bone Walker y Louis Jordan actuaron con grandes orquestas o con conjuntos basados en la guitarra eléctrica, el contrabajo, la batería y saxo. El órgano eléctrico también fue utilizado en esa época. A partir de 1950, B. B. King, Ray Charles y otros cantantes usaron guitarras eléctricas perfeccionadas (que permitían la manipulación de sonidos sostenidos) y bajos eléctricos de mayor potencia.


2 HISTORIA

Instrumentos como la guitarra existen desde tiempos antiguos, de hecho algunas teorías sostienen que su antepasado fue el laúd caldeo-asirio y otras que provienen de la cítara griega. Etimológicamente el término proviene de kithara (egipcio) o de kezarah (asirio). La primera referencia escrita data del siglo XIII y se encuentra en las Cantigas de Santa María del rey Alfonso X el Sabio. En su forma antigua tenía tres pares de cuerdas más una sencilla (la más aguda). Se desarrolló probablemente en España, donde en el siglo XVI fue el equivalente en las clases bajas y medias de la aristocrática vihuela, instrumento de similar forma y origen, con seis cuerdas dobles.

La guitarra se popularizó en otros países europeos en los siglos XVI y XVII. A finales de este siglo se le añadió un quinto par de cuerdas debajo de los otros cuatro. A mediados del siglo XVIII la guitarra adopta su forma moderna, cuando las cuerdas se hacen sencillas y se añade una sexta por encima de las otras. Los guitarreros del siglo XIX ensancharon el cuerpo, aumentaron las escotaduras laterales, engrosaron la caja y cambiaron la barra armónica. Las viejas clavijas de madera fueron reemplazadas por tornillos metálicos.

3 LA GUITARRA ELÉCTRICA

La guitarra eléctrica, utilizada en la música moderna de todo el mundo, tiene normalmente un cuerpo macizo no resonador. El sonido de sus cuerdas es amplificado y manipulado electrónicamente por el intérprete. Básicamente, las únicas similitudes entre la guitarra clásica y la eléctrica radican en la digitación sobre los trastes y en la afinación de las cuerdas. El músico e inventor estadounidense Les Paul popularizó el instrumento a partir de la década de 1940 tras desarrollar varios prototipos para el cuerpo de este tipo de guitarra.

También se ha popularizado la que comúnmente se denomina guitarra acústica, que a pesar de poseer un cuerpo acústico similar al de la guitarra clásica, tiene la posibilidad de poderse conectar mediante un jack a un amplificador de forma parecida a una eléctrica.

4 LA GUITARRA CLÁSICA

Como instrumento de música clásica, la guitarra adquirió importancia gracias a la obra del compositor español Fernando Sor, a quien François Fétis llamaba el ‘Beethoven de la guitarra’, así como del también español Francesc Tárrega, a veces apodado el ‘Chopin de la guitarra’. El excepcional guitarrista Andrés Segovia llevó su música por todo el mundo. Han escrito obras para este instrumento compositores como Manuel de Falla, Joaquín Turina, Joaquín Rodrigo (autor del famoso Concierto de Aranjuez), Albert Roussel, Alexander Tausman, Mario Castelnuovo-Tedesco y los latinoamericanos Manuel María Ponce, Heitor Villa-Lobos y Leo Brouwer. Destacadísimo intérprete del instrumento, este compositor cubano ha escrito numerosas obras para guitarra, sola y con acompañamiento de orquesta.

El magnífico desarrollo de la técnica guitarrística y el virtuosismo alcanzado por algunos de los grandes intérpretes de hoy día, como A. Lagoya, Narciso Yepes, Alirio Díaz, John Williams, A. Ponce u O. Ghiglia, han favorecido la producción de obras destinas a este instrumento por parte de compositores de vanguardia del siglo **, como Pierre Boulez, Hans Werner Henze, Cristóbal Halffter o Georges Migot, entre muchos otros. De esta manera, el instrumento ha recobrado una importancia que durante el siglo XIX fue poco reconocida por parte de los grandes compositores.

--------------
a revista TOTAL GUITARR dio a conocer la lista de los 100 mejores guitarristas:

1 Jimi Hendrix
2 Jimmy Page
3 Eric Clapton
4 Slash
5 Brian May
6 Joe Satriani
7 Eddie Van Halen
8 Dave Gilmour
9 Kirk Hammett
10 Steve Vai



11 Carlos Santana
12 James Hetfield
13 Tom Morello
14 Kurt Cobain
15 Mark Knopfler
16 Zakk Wylde
17 Gary Moore
18 Jeff Beck
19 Stevie Ray Vaughan
20 Angus Young
21 Randy Rhoads
22 Tony Iommi
23 Ritchie Blackmore
24 George Harrison
25 Dave Murray
26 John Frusciante
27 Keith Richards
28 Richie Sambora
29 Matt Bellamy
30 Noodles
31 The Edge
32 Mick Thomson
33 Pete Townshend
34 Yngwie Malmsteen
35 Jonny Greenwood
36 Chuck Berry
37 Wes Borland
38 Hank Marvin
39 Joe Perry
40 Dimebag Darrell
41 B.B. King
42 Rory Gallagher
43 Tom DeLonge
44 Steve Jones
45 Billy Corgan
46 James Dean Bradfield
47 Johnny Marr
48 Billie Joe Armstrong
49 Mike Einziger
50 Noel Gallagher
51 Dave Baksh
52 Dave Grohl
53 Daron Malakian
54 Adrian Smith
55 Kerry King
56 Peter Green
57 Alex Lifeson
58 Nick Drake
59 Robert Johnson
60 Paul Kossoff
61 Mick Ronson
62 Frank Zappa
63 Head
64 Mike McCready
65 John 5
66 Paul Weller
67 Nuno Bettencourt
68 Graham Coxon
69 Robert Fripp
70 Paul Gilbert
71 Eric Johnson
72 John Petrucci
73 Django Rheinhardt
74 John Squire
75 Chet Atkins
76 Stuart Adamson
77 John McLaughlin
78 Steve Morse
79 Tommy Emmanuel
80 Janick Gers
81 Dave Mustaine
82 Neil Young
83 Lyndsey Buckingham
84 Steve Howe
85 Lee Gaze
86 Robbie Krieger
87 Munky
88 Johnny Ramone
89 Walter Trout
90 Peter Buck
91 Marty Friedman
92 Rivers Cuomo
93 Richard Thompson
94 Paul Simon
95 Tom Verlaine
96 Kelly Jones
97 Deryck Whibley
98 Jeff Hanneman
99 Steve Cropper
100 Nile Rodgers
-----------

Frank Zappa
Frank Zappa (1940-1993), compositor y estrella de rock cuya música desafía cualquier convencionalismo. Nació en Baltimore, Estados Unidos. Recibió durante su juventud en California influencias dispares de Edgard Varèse y del rhythm and blues de la década de 1950. Estudió percusión y guitarra. Dos de sus canciones fueron éxitos locales (una de ellas en México), pero el verdadero triunfo no le llegó hasta 1965 cuando creó un grupo en Los Ángeles denominado The Mothers, que más tarde pasó a llamarse The Mothers of Invention. En 1966 su disco Freak Out fue el primer álbum doble grabado en la historia del rock. Dentro de la música popular no se había oído nunca nada parecido, las canciones eran ensayos con críticas irónicas que parodiaban la música rock de la década de 1960 con técnicas de la música clásica tradicional y modernista.

Zappa se convirtió rápidamente en un ídolo. En los tres años siguientes grabó cinco álbumes, que incluían, entre otros, We're Only In It For The Money (con una cubierta que satirizaba el álbum de los Beatles Sergeant Pepper) y Uncle Meat, un extraño collage de dos horas que recordaba mucho más a la música de compositores del siglo ** (como Ígor Stravinski) que al rock. A lo largo de su carrera demostró dominar gran variedad de estilos musicales desde el jazz al musical de Broadway. Fue uno de los guitarristas más notables y un pionero en el empleo de la grabación multipista. Sus composiciones orquestales han sido dirigidas por Pierre Boulez. Sus grupos han lanzado e impulsado a muchos músicos, entre ellos al cantante de rock de vanguardia Captain Beefheart, al guitarrista heavy metal Steve Vai, al violinista de jazz Jean-Luc Ponty, al compositor de new age Patrick O'Hearn y a Roy Estrada y Lowell George, miembros de Little Feat.

En 1993 falleció de cáncer, después de una carrera con más de 60 álbumes grabados tanto en estudio como en actuaciones en vivo, y todavía queda por publicar una enorme cantidad de material. Fue una personalidad sin par, que podía caracterizarse como humorista, compositor serio, crítico social o empresario. Con su segunda mujer Gail (con la que contrajo matrimonio en 1969) tuvo dos hijos, Dweezil y Ahmet Redan, y dos hijas, Moon Unit y Diva. Con su hija Moon Unit grabó en 1982 Valley Girl, una parodia de la cultura de California que se convirtió en su único éxito pop. Dweezil ha grabado dos álbumes con un estilo similar al de su padre.

Yngwie J. Malmsteen
BIOGRAFIA

Lars Johann Yngwie Lannerback nació en Estocolmo, Suecia, él ultimo día de junio en 1963.
El matrimonio entre el padre de Yngwie, un capitán del ejercito y su madre, una mujer con aptitudes artísticas, terminó en divorcio poco después de que Yngwie nació.
Siendo el hijo menor en un hogar consentidor, que incluía a su madre Rigmor, su hermana Ann Louise, y su hermano Bjorn, Yngwie (a quien su madre llamo así por el nombre de un antiguo novio) era salvaje y rebelde y le encantaba "todo lo que tuviera violencia".




Tempranos intentos de aprender piano y trompeta fallaron y la guitarra acústica que su madre le regalo cuando tenía 5 años estaba colgada en la pared de su habitación. Pero el 18 de septiembre de 1970 cuando Yngwie vio un programa de TV acerca de la muerte del gran Jimi Hendrix, sintió una llama encenderse en su cerebro. El joven Yngwie vio con asombro como Hendrix emocionaba al publico con toneladas de feedback y ofreciendo en sacrificio su guitarra, el día que Jimi Hendrix murió, Yngwie el guitarrista nació.


Aprovechando su curiosidad y tenacidad, primero con una vieja Mosrite y después con una Stratocaster barata, Yngwie se sumergió en música de bandas como Deep Purple y pasó horas descubriendo los secretos de las composiciones. Su admiración por Ritchie Blackmore lo influenció a tocar música clásica, así, con ayuda de su hermana, conoció a los padres de la música: Bach, Beethoven, Vivaldi y Mozart, mientras Yngwie absorbía las estructuras clásicas de los maestros, su prodigioso estilo empezaba a tomar forma. Tocaba horas y horas todos los días, hasta que se quedaba dormido, casi cayéndose sobre su guitarra.
Cuando cumplió 10 años tomo el apellido de soltera de su madre: Malmsteen y enfoco todas sus energías a la música, tiempo después dejo la escuela en donde se le catalogaba como un estudiante muy rebelde y problemático, pues tenía constantes peleas con sus compañeros, pero al mismo tiempo, exentaba en las materias que le gustaban: ingles y arte.


Su madre noto el don musical de Yngwie y le permitió quedarse en casa escuchando discos y tocando su guitarra donde su maestría en el instrumento progresó enormemente.
Lo que faltaba entre las estructuras formales de la música clásica y el fuerte estilo de Hendrix lo encontró en la música de otro virtuoso, el violinista del siglo 19 Nicolo Paganini. Viendo al violinista ruso Gideon Kremer interpretando "24 Caprices" en la televisión, comprendió por fin como fusionar su amor por la música clásica con su velocidad, energía y presencia escénica.

EL ESTILO DE YNGWIE EMPIEZA A EMERGER

A los 15 mientras manejaba su bicimoto, decidió que la escuela no era para él y la dejo definitivamente. Trabajo un tiempo como ayudante en una tienda donde reparaban guitarras y aprendió a
trabajar con la madera. Fue ahí donde vio un mástil festoneado por primera vez cuando llego un laud del siglo 17.
La madera del mástil estaba tallada de tal manera que las crestas formaban los trastes. Intrigado Yngwie talló el mástil de una vieja guitarra y se sorprendió con los resultados así que lo hizo en mejores guitarras. El mástil festoneado es un poco más difícil de tocar que uno normal, pero el control sobre las cuerdas mejoró tanto que Yngwie lo adopto como modificación permanente de su equipo, Fender vende la guitarra Yngwie Malmsteen Stratocaster que incluye el mástil festoneado, además de pastillas DiMarzio.
En esos tiempos, Malmsteen comenzó a tocar en varias bandas construidas en base a su estilo explosivo, con largas exploraciones instrumentales para un publico sueco mas acostumbrado a grupos "pop" como ABBA.


Cuando cumplió 18, él ejercito trato de reclutarlo como oficial militar, basado en sus altas calificaciones en test de inteligencia. Yngwie apareció en el cuartel y aparentemente poseído, puso un arma en su cabeza y dijo que prefería morir que estar en él ejercito. Convencidos, los reclutadores lo regresaron a su casa.
Con una encarnación temprana de Rising Force, Yngwie y varios de sus amigos grabaron un demos con 3 canciones para la CBS sueca, pero los tracks nunca salieron a la luz. Frustrado, Yngwie sabía que tenía que dejar Suecia para llegar hasta donde él quería, y empezó a enviar demos a compañías disqueras y a contactos en todo el mundo. Uno de esos demos llegó a manos de Mike Varney que contribuía en Guitar Player y fundó Shrapnel Music. Yngwie fue invitado a Los Angeles para unirse a la nueva banda de Shrapnel: Steeler.

YNGWIE EMIGRA A AMERICA

El disco debut de Steeler era un disco de espléndido Heavy Metal, sobresalía el legendario solo de introducción "Hot on your Heels".
Mientras el disco se volvía famoso, Yngwie ya se había cambiado a Alcatrazz, una banda fundada por el cantante Graham Bonnett (Rainbow, MSG) Aunque en Alcatrazz se produjeron algunos de los solos más incendiarios de Yngwie como: "Kree Nakoorie", "Jet To Jet", y "Hiroshima, Mon Amour", el se sentía limitado, así que el único camino era una lanzarse a una carrera solista.
El primer disco fue "Rising Force", (hoy considerado como la Biblia del rock neoclásico). En este Barriemore Barlow (Jethro Tull)tocó la batería, Jens Johannson los teclados, Yngwie las guitarras y el bajo y Jeff Scott Soto las vocales. Este fantástico álbum llegó al numero 60 en las listas de Billboard, algo muy impresionante para una grabación casi por completo instrumental y sin ninguna canción comercial. El álbum también fue nominado por el Grammy por la mejor interpretación de rock instrumental.
Pronto los honores llegaron; fue elegido en varias encuestas como el mejor guitarrista de rock poco después de que "Rising Force" fuera elegido álbum del año.


Las poderosas armonías entre teclado y guitarra de Yngwie y su viejo amigo Jens Johansson (ahora con Stratovarius) ayudaron a consolidar a Yngwie Malmsteen´s Rising Force como una de las mejores bandas, además de crear un nuevo genero musical: El rock neoclásico.
Muy pronto hizo su aparición el álbum "Marching Out",en el cual el bajo fué ejecutado por Marcel Jacob y la batería por el hermano de Jens: Anders. Este disco era en su mayoría vocal y con alguna que otra melodía instrumental.
Las composiciones neoclásicas de Yngwie alcanzaron nuevas fronteras con la aparición del álbum "Trilogy" en 1986. La voz fue grabada por Mark Boals. Para este año la influencia de Yngwie en cuanto a técnica y composición era innegable y cientos de clones trataron de copiar su estilo sin comprender su idea musical.
El año siguiente, 22 de junio de 1987, Yngwie estrelló su Jaguar en un árbol y rompió su cabeza con el volante, esto le causó un coagulo en el cerebro que daño los nervios motrices de su brazo derecho. Después de estar en coma por casi una semana, Yngwie volvió en si, solo para descubrir que su brazo estaba
inutilizado, temeroso por el futuro de su carrera, empezó una terapia muy dolorosa para regenerar los nervios. Mientras aun se recuperaba, supo que su madre, la mayor inspiración de su vida, había muerto de cáncer en Suecia, para complicar mas las cosas, un manager abusivo le había dejado casi en la ruina con montones de deudas medicas que pagar.


En vez de deprimirse y darse por vencido como muchos otros lo hubieran hecho, Yngwie se esforzó y volvió a la música.
El resultado fue "Odyssey" que no es uno de los favoritos de Yngwie, pero fue aclamado por su accesibilidad. El vídeo "Heaven Tonight", le dio gran proyección en el ámbito mundial y lo llevó a ganar un disco de oro.
Con el ex-vocalista de Rainbow; Joe Lynn Turner, la gira de"Odyssey" llevó a gente de toda clase a los conciertos, y en febrero de 1989 fueron a la entonces Unión Soviética donde hicieron una serie de conciertos muy exitosos (6 meses antes del Moscow Peace Festival)él último concierto fue grabado en vídeo y salió a la venta como "Live In Leningrad / Trial By Fire", después de este, los miembros de la banda tomaron caminos diferentes y el nombre de Rising Force cayó en desuso.

YNGWIE SE MUDA A MIAMI Y FORMA UNA NUEVA BANDA

Comenzando una nueva fase de su carrera Yngwie se mudó a Miami, Florida y reclutó una nueva banda de amigos suecos. En las vocales entró Goran Edman quien fuera vocalista de John Norum, su versátil tesitura se adaptó fácilmente a las difíciles melodías de Yngwie. Los otros puestos fueron ocupados por músicos no muy conocidos fuera de Suecia, pero extremadamente talentosos: en el bajo Svante Henryson; quien tocaba en una orquesta sinfónica, en el teclado Mats Ollausson; experimentado músico y arreglista de estudio y el baterista Michael Von Knorring.
El primer álbum con la nueva alineación fue "Eclipse" grabado y mezclado en los estudios Criteria de Miami, buen disco que demostró un lado más comercial, pero sin dejar el estilo neoclásico. Una mala promoción por la multinacional Polygram, perjudicó enormemente las ventas en Estados Unidos, pero en Japón y Europa ganó discos de oro y platino.


Con una evidente frustración, Yngwie decide abandonar Polygram en condiciones no muy amigables. En marzo de 1991 el manager Nigel Thomas le consiguió un contrato con Elektra Records.
El debut de Yngwie para Elektra fue "Fire & Ice", un disco no comercial con magnificas composiciones. Las letras estaban compuestas basándose en los acontecimientos de la vida de Yngwie y la música estaba construida en base a estructuras barrocas.
Con este álbum pudo por fin cumplir con uno de sus más fervientes deseos al grabar con una orquesta; esto fue en los arreglos de "Badineire" originalmente en Suite Orquestal No. 2 (de J. S. Bach), que esta en "No Mercy" y en el solo de "Cry No More". Aclamado por la critica "Fire & Ice" debuta en Japón en él numero 1 de las listas de ventas y vendió 100,000 copias el día que salió a la luz. El disco llegó a oro y platino en Europa y Asia. En junio de 1992, Yngwie regresó a Miami a descansar y a componer para el próximo álbum.


Durante la creación del nuevo álbum, el huracán Andrés pasó por Miami en agosto de 1992, después Nigel Thomas, que había sido manager de Yngwie por 4 años, murió de un infarto en enero de 1993 y en marzo Yngwie se dio cuenta de que Elektra lo había estado robando con las regalías. En julio de 1993, Yngwie se rompió su mano derecha en un horrible accidente, y en agosto fue víctima de un falso arresto.
En septiembre, todos los cargos en contra de Yngwie fueron retirados y para octubre su mano había sanado por completo. Ya estaba firmado un contrato con Pony Canyon una casa disquera de Japón y empezó el periodo de grabación con el nuevo cantante Michael Vescera(exLoudness), el baterista Mike Terrana (exTony McAlpine), el tecladista Mats Olausson, e Yngwie en el bajo. Barry Sparks de L.A fue elegido para tocar el bajo


YNGWIE GRABA SU PRIMER ÁLBUM EN EL ESTUDIO 308

A principios de enero Yngwie puso a funcionar el estudio 308 e invitó a varios viejos amigos (incluyendo a Joe Lynn Turner, Jeff Scott Soto, David Rosenthal, Marcel Jacob y Mark Boals) a un proyecto. Por muchos años, Yngwie tuvo el deseo de grabar algunas de las canciones con las que creció y que lo influenciaron de una u otra manera, por supuesto incluía a Deep Purple, Rainbow, U.K, Kansas, Scorpions, Rush y Jimi Hendrix. Con sus amigos y con los hermanos Johansson tocando batería y algunos tracks de teclado, el disco "Inspiration" empezó a tomar forma, para mediados de abril el álbum estaba listo y la portada fue pintada por Asari Yoda. Con la banda de "Magnum Opus" prácticamente desmembrada, Yngwie formó una banda para giras que probó ser tan buena como cualquier alineación anterior; Matts Olausson continuaba en los teclados, el veterano de "Live In Leningrad en el bajo, el vocalista del álbum "Trilogy" Mark Boals, y el extraordinario baterista Tommy Aldridge que había estado en bandas como Whitesnake, Ozzy Osbourne y Pat Travers. Sudamérica fue donde se estrenó la nueva alineación, con miles de brasileños y argentinos llenando estadios. La gira continuo en Estados Unidos, Japón y Europa probando que el Heavy Metal melódico no solo no había muerto, sino que había regresado con nuevos bríos.


La gira del "Inspiration" llegó a su fin en diciembre del 96, durante ese tiempo, Yngwie dio varias clínicas de guitarra en Europa, la respuesta de los fans a esas intimas sesiones le hicieron prometer mas en el futuro. Después de una estadía en Inglaterra con su amigo Uli Jon Roth, Yngwie regreso a Miami para trabajar en su nuevo álbum, además de su muy esperado trabajo para guitarra eléctrica y orquesta.

EL TRABAJO CON ORQUESTA SE HACE REALIDAD

Después de meses de trabajo intensivo en su estudio de Miami, Yngwie produjo su primer álbum totalmente clásico "Concerto Suite for Electric Guitar and Orchestra in Eb minor, Op.1" En junio del 97 Yngwie voló a Praga para tocar con la famosa Orquesta Filarmonica Czech que recientemente cumplió 100 años. En tres días de grabación intensiva, con el Director de Atlanta Yoel Levi a cargo de la batuta, quedo listo, aunque salió hasta 1998.
Yngwie volvió a Miami para terminar su álbum "Facing the Animal" con nada mas y nada menos que el legendario baterista Cozy Powell (músico de primerisimo nivel que había tocado con Rainbow, Black Sabbath, Emerson-Lake & Powell y un largo etcétera), Mats Olausson teclados, Barry Dunaway se encarga del bajo y el virtuoso Mats Leven (Abstrakt Algebra) de la voz.
Este disco es uno de los mejores trabajos que Yngwie ha hecho en su vida, pero una nueva desgracia ocurrió: En abril de 1998 Cozy Powell murió en un accidente de trafico, conmocionando al mundo del rock. Yngwie rápidamente busca un reemplazo para la gira y encuentra al sueco Jonas Ostman para la gira mundial.
Con esta nueva alineación sale a la luz un espléndido disco en vivo que contiene dos discos compactos donde toca canciones de toda su carrera solista y hace gala de agresividad y rapidez, este disco esta dedicado a Cozy Powell así como toda la gira mundial (probablemente lo mejor de Yngwie Malmsteen en vivo) y se titula simplemente "Live!!". Con este formato salé también un video que fue grabado al día siguiente ahí mismo en Brasil.

ALQUIMIA NEOCLÁSICA

Es en 1999 cuando Yngwie reforma la banda Rising Force y se une con Barry Dunaway, John Macaluso (TNT) y nada menos que con Mark Boals para grabar el cd "Alchemy". El teclado lo sigue tocando Mats Olausson.
A diferencia de "Facing the Animal" en este disco regresa a sus sonidos mas metaleros e inmediatamente recolecta premios y reconocimientos en Europa y Japón. En todos lados se habla de la "Resurrección" o el "Regreso de Yngwie" pues el disco tiene la energía de sus primeras grabaciones.
Mark Boals, quien grabara el disco "Trilogy", es para muchas personas el mejor cantante que Yngwie había tenido y en este disco realizó un trabajo impresionante, no hay mas que escuchar las notas sobrenaturalmente altas de "Leonardo" y las diferentes técnicas vocales de las que hace uso en toda la grabación.
"Alchemy" tiene mas tracks instrumentales que los que había estado haciendo y la banda se embarcó en una súper exitosa gira mundial (con Randy Coven en el bajo).

WTEAW

El siguiente disco fue "War To End All Wars" en este sigue con Mark Boals, Mats Olausson y John Macaluso pero a algunas personas no les gusta la producción (a cargo de Yngwie) y Mark Boals decide salirse antes de la gira por motivos personales y para darle promoción a su disco "The Oracle" que grabó con su nueva banda Ring Of Fire (poco antes grabó un disco solista con casi los mismos integrantes llamado "Ring Of Fire").

Después de una búsqueda de cantante para la gira encuentra a Jorn Lande pero una pelea entre Yngwie y el lo hacen abandonar la gira con todo y baterista.
La respuesta de Yngwie a este problema fue traer de vuelta a Mark Boals (el traía la espinita de tocar en esta gira pues en la de "Trilogy" no pudo hacerlo) y a Tim Donahue en la batería.

YNGWIE ESCRIBE LA HISTORIA

Yngwie toca su "Concerto Suite" con la New Japan Philharmonic y es todo un éxito en varias ciudades de Japón. Es en una presentación de estas que lo ven ciertas personas del gobierno chino y lo invitan a hacer una gira en este país!!!
Recordemos que Yngwie fue pionero en ir a lo que entonces era el régimen comunista de la U.R.S.S. y vuelve a repetir la hazaña en China, donde el rock no es aceptado por el gobierno socialista.

NUEVA ALINEACIÓN PARA MÉXICO/LATINOAMÉRICA

La gira termina (o eso se creía) pero se hace el anuncio de que se haría una gira en México y Latinoamérica. La gran sorpresa fue la alineación que se anuncia para esta:

Doogie White (Rainbow) - Vocales
Mick Cervino (Blackmore' s Night) - Bajo
Derek Sherinian (Dream Theater, Kiss, Alice Cooper) - Teclados
Patrik Johansson (Stormwind) - Batería

Esta gira se suspende una semana por los conocidos atentados en EU que impiden a la nueva banda salir del país. Cuando finalmente lo hicieron asombraron a México pues parece ser la alineación perfecta...

Biografia extraida de http://www.malmsteen.s5.com/


Joe Satriani (Biografia)
Enviado por: alvarols

Guitarristas Que se puede decir del mago de la guitarra, que no se haya dicho ya... Quien no lo conoce, este Sr. virtuoso de la guitarra, es uno de esos músico de los cuales sencillamente sin él, el rock simplemente no seria igual. Después de su aparición por el 86, revolucionaria el

mundo de la guitarra tal y como se le conocía. Satriani es un guitarrista dotado de una gran sensibilidad, técnica y facultades extraordinarias, maestro de muchos de los mejores guitarristas del mundo metálico actual, como Steve Vai, Kirk Hammett (Metallica), Marty Friedman (Megadeth) o Alex Skolnick (Testament). Cuando escribe sus canciones, hace gala de una inmensa cultura musical, sabe adaptar todo lo que sabe, influencias tanto musicales como personales y los conjuga con sus sentimientos más profundos, nacidos desde el fondo de su alma, eso y el ensamble entre la técnica y el feeling que Satriani solo sabe hacer es quizá una de las claves de su éxito.
Su primer gran disco fue “Surfing with the Alien”. Es imposible negar sentir ese ritmo pegajoso que Satriani solo sabe hacer; podría decir que embruja con su música, porque parece que tiene la facultad de hacer hablar a la guitarra y además tiene la facilidad de penetrar a lo mas profundo de tu ser y hacerte vibrar. Desde ese entonces es uno de los mejores guitarristas del planeta y la verdad hoy por hoy así lo sigo considerando. “Flying In A Blue Dream” su tercer trabajo, fascino a medio mundo con temas como One Big Rush, la mágica Flying In A Blue Dream o la hermosa I Believe, hablan por si mismas.
Otro disco que merece el honor de mencionarse (aunque todos son dignos de mención), fue el sorprendente “The Extremist” que prácticamente despedazo a todos los guitarristas de ese entonces con sus fabulosos punteos y grandes composiciones, ningún otro guitarrista llegaría a compararse con ese disco, que incluso fue nominado como el mejor disco instrumental de ese entonces, llevándose infinidad de premios por parte de la critica. Actualmente sus discos siguen impresionando a todo tipo de gente y se ha consolidado como toda una figura de la guitarra de nuestra era. Definitivamente maestro de maestros. Altamente recomendado.

---------------------------------------------------

STEVIE RAY VAUGHAN

Biografia

nace el 3 de octubre de 1954 en el Methodist Hospital en Dallas, Texas. A la edad de 7 tiene su primera experiencia con una guitarra cuando le regalan una guitarra de juguete. En 1963 compra su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo reproduce tantas veces que su padre lo rompe.

Stevie continúa tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entra a la escena del blues en Austin, Texas. En el verano de 1970 forma su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 deja la secundaria y se muda a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó de bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".

Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), con Johnny Reno (saxofón), Jackie Newhouse (bajo) y Fredde Pharoah (batería). Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

El 11 de julio de 1981 la banda es filmada tocando en un festival. Al año siguiente el manager de Stevie le da la cinta a Mick Jagger, lo que eventualmente causó que la banda hiciera una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de Abril de 1982. Poco después de eso la banda hizo la presentación más imporante de su carrera cuando tocan en el Festival Internacional de Jazz de Montreux, Suiza, siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron chiflados pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, y dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de SRV: "Live At Montreux".

Stevie Ray progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuye con un disco de David Bowie y en 1983 es "descubierto" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien le ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records. Solo en 1983 sale su primer álbum, Texas Flood, luego de años de trabajo. Las repercusiones no se hicieron esperar, y Stevie fue elegido por la revista Guitar Player "Mejor Nuevo Talento", "Mejor Álbum de Guitarra (Texas Flood)" y "Mejor Guitarrista de Electric Blues", siendo junto con Jeff Beck (1976) el único en ganar 3 premios en un año, siéendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.

En 1984 es lanzado su segundo álbum: "Couldn't Stand The Weather". Ese mismo año, en el 4 de Octubre, Stevie cumple 30 años, y los festeja con un enorme recital en el Carneghie Hall de New York, con los invitados Jimmie Vaughan (2da guitarra, hermano de Stevie), Angela Strehli (voces), Dr. John (piano) y George Rains (batería). Stevie le dice al público que es el mejor cumpleaños de su vida. Más tarde ese mismo año, el 18 de noviembre, Stevie gana dos National Blues Award por "Best Entertainer" (la traducción más precisa sería "Mejor Showman") y "Mejor instrumentalista de blues". Es la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

El 28 de septiembre Stevie Ray colapsa por abuso de sustancias en Ludwigshafen, Alemania. Se las arregla para hacer dos conciertos más de la gira, pero los próximos 13 son cancelados. Consigue mantenerse sobrio desde el 13 de Octubre hasta su último día. Stevie hace un enorme regreso a la escena en la primavera de 1987, cuando la MTV transmite su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. Stevie aparece también en la película "Back to the Beach" tocando "Pipeline" con Dick Dale, y por último en el especial de TV para Cinemax de B.B. King junto con: Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.

Otras presentaciones en vivo importantes de la época fueron: su presentación en las fiestas inagurales de la presidencia de George Bush el 23 de enero de 1989 y su presentación en los MTV Unplugged tocando "Rude Mood", "Pride And Joy" y "Testify" en guitarra acustica de 12 cuerdas. En 1990 se lanza su disco "Family Style", que graba junto con su hermano.

El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM, un helicóptero que llevaba a Stevie de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Las 5 personas que iban a bordo mueren. Una investigación posterior declara que se debió a un error del piloto.
[editar]

Discografía

* 1983 - Texas Flood
* 1984 - Couldn't Stand the Weather
* 1985 - Soul to Soul
* 1986 - Live Alive
* 1989 - In Step
* 1990 - Family Style
* 1991 - The Sky Is Crying
* 1992 - In the Beginning
* 1995 - Greatest Hits
* 1997 - Live at Carnegie Hall
* 1999 - The Real Deal: Greatest Hits Vol. 2
* 1999 - Ediciones remasterizadas de Texas Flood, Couldn't Stand the Weather, Soul to Soul & In Step
* 2000 - Blues at Sunrise
* 2000 - SRV The Boxed Set
* 2001 - Live at Montreux 1982 & 1985
* 2002 - The Essential Stevie Ray Vaughan
* 2003 - Martin Scorsese Presents the Blues: Stevie Ray Vaughan
* 2004 - Stevie Ray Vaughan and Double Trouble: The Collection (Repackaging de los primeros 3 álbumes remasterizados.)

------------------------------------------------

G3 EN MEXICO

El concepto del G3 (Guitar 3) cumple diez años, y esta vez regresa a México con cartelera de lujo (como siempre, jejeje). El G3 '06 se estará presentando hoy 16 de octubre a partir de las 9 de la noche en el Teatro Metropólitan.



Joe Satriani, John Petrucci y Eric Johnson serán los encargados de animar con su espectáculo a los afortunados asistentes.



Como siempre el espectáculo será formado con un set completo de cada uno de los músicos, en el cual interpretan material propio, covers y lo que se les ocurra en ese rato, y culmina con el ya legendario G3 Jam, un palomazo con los tres virtuosos en escena.

Answer 2

Una guitarra eléctrica es una guitarra con uno o más transductores electromagnéticos ("pastillas") que convierten las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas capaces de ser amplificadas y procesadas. Hay guitarras sin caja de resonancia (guitarra eléctrica sólida) o con una caja más pequeña de lo habitual (semisólida) a veces con agujeros al exterior con formas en "f" similares a los de las cajas de resonancia de los violines y otros instrumentos acústicos.

Está formada por:

el cuerpo: normalmente de madera (arce, aliso, caoba), aunque a veces de materiales sintéticos como el luthite. Aloja en su interior los componentes electrónicos y puede ser semisólido con una pequeña caja de resonancia. La densidad de la madera incide en el lapso que una nota permanece sostenida después de pulsar la cuerda (a mayor densidad, mayor tiempo). Las cuerdas se fijan a él por medio del puente. Hay diversos tipos de puente, cada uno con características específicas que inciden en el sonido final del instrumento e incluso algunos puentes incluyen pastillas piezoeléctricas para captar la vibración de las cuerdas o palancas de vibrato para variar ligeramente la tensión de las cuerdas y causar un efecto vaivén en la entonación.
el mástil: también hecho de una o varias piezas de madera, tiene en su interior una barra de acero u otro material muy resistente, llamada alma, para contrarrestar la tensión de las cuerdas sobre él y que no pierda linealidad. Suele ir atornillado al cuerpo (como en la Stratocaster) o bien pegado (en la Gibson Les Paul). Sobre él se encuentra el diapasón (donde se apoyan los dedos al tocar) de la misma madera que el mástil u otra (palorrosa, wenge, ébano) encolada a él. Sobre el diapasón y en perpendicular a las cuerdas se encuentran los trastes; pequeñas barras metálicas (de acero normalmente) que entran en contacto con la cuerda al apoyar los dedos en el espacio entre ellos y sobre el diapasón.
el clavijero o pala del clavijero: extremo del mástil donde las cuerdas van enrolladas a unas piezas metálicas cilíndricas con un tornillo sin fin que regula la tensión de la cuerda y por tanto su afinación.
Es un instrumento muy ligado al Rock y al Rock and roll, aunque también en el Jazz y el Blues juega un importante papel. Desde su nacimiento a mediados del siglo ** hasta la actualidad su importancia ha sido creciente en la música popular.

Los primeros guitarristas de jazz que veían que no tenían suficiente volumen para competir con el resto de instrumentos de la banda fueron los que iniciaron la revolución eléctrica amplificando sus instrumentos. Leo Fender fue quien diseñó la primera guitarra eléctrica sólida desmontable y con pocas piezas para que los músicos no tuvieran problemas al tener que cambiar piezas del instrumento gastadas por el uso o rotas. Era el nacimiento de la Fender Telecaster. Luego vendrían otros modelos (Stratocaster) y otras marcas como Gibson o las japonesas Ibanez y Yamaha.

Grandes guitarristas con sus guitarras son o han sido (entre otros):

Hide/ Fernandes MG-X
Dave Mustaine/ Jackson y Esp
Jimi Hendrix/ Fender Stratocaster
Jimmy Page/ Gibson Les Paul
Kurt Cobain/ Mosrite y Fender Stratocaster
Eric Clapton/ Fender Stratocaster
Mark Knopfler/ Fender Stratocaster
Matthew Bellamy/ Manson
Stevie Ray Vaughan/ Fender Stratocaster
Yngwie J. Malmsteen/ Fender Stratocaster
Brian May/ Red Special
David Gilmour/ Fender Stratocaster
Randy Rhoads/ Jackson Rhoads
Angus Young/ Gibson SG
Steve Vai/ Ibanez JEM
Joe Satriani/ Ibanez JS
Paul Gilbert/ Ibanez PG
Jason Becker/ Carvin
Dimebag Darrell/ Dean y Washburn
Zakk Wylde/ Gibson Les Paul
John Frusciante/ Fender Stratocaster
Slash/ Gibson Les Paul
Kirk Hammett/ Esp KH
Fredrik Thordendal/ Ibanez y Nevborn
Jeff Beck
Jerónimo Ramiro
Jorge Salán
Chuck Schuldiner/ B.C. Rich
Vinnie Moore
Marty Friedman/ Carvin, Jackson e Ibanez

[editar] Enlaces externos
Guitarristas. Info (Portal para Guitarristas)
Guitarristas.org "GORG" (Portal para guitarristas)
Guitarramania.com, foro sobre guitarras eléctricas
Historia de la guitarra clásica
Historia de la guitarra eléctrica
Diferencias entre guitarra eléctrica y clásica
Cómo ajustar una guitarra eléctrica
Efectos de sonido para guitarra eléctrica
Página muy completa de enlaces a fabricantes -

Answer 3

Si amas y te deja es una de las peores cosas que te podía pasar pero esto puede cambia, puedes recuperar a la mujer que amas con este libro http://ComoRecuperaraTuMujer.netint.info/?R1L0 Sé que este libro hace milagros porque los he visto, he vuelto con mi pareja gracias a este libro y por esto cualquier hombre tiene que tenerla.

Answer 4

Nueva York, o New York como muchos dicen, es una gran ciudad con muchas posibilidades y para descubrirla no hay mejor sitio que este https://tr.im/1TAVh para empezar porque aquí tendrás una buena preparación del viaje para disfrutar tus reposo. Nueva York tiene un montón de sitios emblemáticos como: Times Square, Grand Central Terminal, Empire State, Rockefeller Center y muchas otras más. Nueva York es una ciudad que o acabaras de ver todo en unas solas asueto y siempre intentarás volver a esta ciudad porque sin duda, las descanso en Nueva York son unas recreo inolvidables.

Answer 5

Si quieres estar con calma y en avenencia con tu pareja entonces deberas seguir algunos consejos básicos que este manual Recuperar Mi Matrimonio de aquí https://tr.im/1Loem te brinda.
Recuperar Mi Matrimonio es un libro completo pare que disfrutes de tu vida de casada a diario. Un libro que encima no viene solo, al lado de algunos libros que te enseñara a robustecer tu relación tendrás también algunos audios subliminales.
El primer audio subliminal es para atraer la contento. Es un compilado de buenos pensamientos que se grabarán en tu mente para una vida más plena.
El se segundo audio subliminal es para sexualidad plena para que no dejes que los problemas te impidan a disfrutar del sexo y poder recuperar de esta manera la pasión.
Además de todo esto, recibirás además gratis una membrecía con actualizaciones de por vida de la guía Recuperar Mi Matrimonio para que todo va según tu quieres en tu relación.

Answer 6

¿Estás cansado de afrontar tus problemas en el negocio sin saber cómo solucionarlos? O ¿Eres dueño de una pequeña empresa? Entonces necesitas el curso de aquí https://tr.im/1QeqQ .
El Instituto de Negocios es una iniciativa privada de Barco Enterprise, LLC con sede en Sarasota, Florida dedicada a formar emprendedores que habla español del todo el mundo.
Posteriormente de seguir el curso de Instituto De Capacitación Para Emprendedores Y Dueños De Pequeños Negocios aprenderás a vivir la vida que se merece porque sabrás todos los secretos que necesitas entender sobre los emprendedores y los dueños de pequeños negocios.
Hay miles de emprendedores y dueños de pequeños negocios que han utilizado al máximo de este curso y tu, ahora puedes ser uno de ellos.

Answer 7

Si quieres asimilar tocar la guitara entonces necesitas el curso de aquí https://tr.im/1H6mb que es un conjunto de herramientas útiles para que aprendas a tocar la guitarra por tu propia cuenta y a tu propio paso y lo mejor de todo, lo puedes hacer desde la comodidad de tu casa.
Con este curso tendrás 4 libros en formato PDF de gran calidad: un libro para principiante, uno para intermediarios, libro de técnicas avanzadas de educación de guitarra y ejemplar que te explica cómo afinar tu guitarra. También tendrás acceso a 148 Lecciones en Video, profesionalmente grabadas, mezcladas y editadas y más importante, fáciles de seguir y más útiles que cualquier curso que encuentres en cualquier otra parte.
Este curso de Jamorama es lo que necesitas para asimilar a tocar la guitara aunque eres principiante.

Answer 8

Puedes contestar tus preguntas visitando la pagina www.mipunto.com

Answer 9

http://www.guitarraonline.com.ar/historiaelec.htm

Answer 10

entra aqui!!!

http://www.mipunto.com/temas/4to_trimestre04/guitarra_electrica.html


saludos!!